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Quemando la Casa
MARCOS CASTRO
From February 6th till April 29th, 2024
catalogue
La pintura es esencial dentro de la obra de Marcos Castro, sus líneas gestuales y colores intensos no buscan imitar la vida sino expresar un simbolismo trascendental cargado de emoción, retratando la fuerza de la Naturaleza y su relación con la naturaleza humana.
En Quemando la Casa, Castro emplea el elemento fuego como protagonista silencioso, a través de escenas donde el espectador tiene el punto de vista de estar dentro de una casa en llamas, mientras mira a través de ventanas que muestran una realidad externa de escenas vibrantes de la Naturaleza; plantas exuberantes, ríos y animales salvajes se han apoderado de lo que parece una civilización abandonada.
Al expresar este acto de destrucción, establece un nuevo ciclo de renovación. La regeneración es vista como un proceso de purificación, donde el fuego transforma todo lo que encuentra. Es la fuerza arquetípica de la transmutación.
Para Carl Jung, la casa simboliza nuestra psique, una manifestación del alma. El hogar es uno de los símbolos colectivos más primarios, nuestro refugio, el límite entre el mundo y yo. De esta manera, quemar la casa no es sólo un acto de renovación/transformación sino también el momento de derribar la frontera entre yo y la Naturaleza, interior y exterior.
La exposición propone una especie de puesta en escena alegórica, que incorpora objetos pictóricos bidimensionales en un entorno tridimensional, construyendo un entorno inmersivo que nos recuerda que somos parte de la realidad, no solo actores de una existencia determinista, sino co-creadores activos.
Las imágenes de Castro, surrealistas en su extrañeza e intensidad, buscan iniciar una conversación sobre la crisis ecológica y existencial de la humanidad.
Daniella Rangel
The act of painting is essential to Marcos Castro's creative expression -even though he works across various media- his high-pitched color images don't seek to imitate life but to express a transcendental symbolism charged with emotion, portraying the force of Nature and its relationship with human nature.
For "Quemando la Casa" (Burning Down the House), Castro employs the element of fire as the silent protagonist in scenes where the spectator has the viewpoint of being inside a house burning down while looking through windows that show an external reality of vibrant scenes of Nature. In a gestural tone, exuberant plants, rivers, and wild animals take over what looks like an abandoned civilization.
By expressing this act of destruction, he sets a renewal cycle. The regeneration is seen as a purification process where fire transforms everything it encounters; it's the archetypal force of transmutation.
For Carl Jung, the House symbolizes our psyche, a manifestation of the soul. Our homes are amongst the most primal of our collective symbols, our shelter, the limit between me and "the world." In this way, burning the house down is not just an act of renewal/transformation but also the moment of tearing down the border between "I" and Nature, inner and outer.
The exhibition proposes a sort of allegorical staging that incorporates bidimensional painting objects in a tridimensional setting, assembling an immersive environment that recalls that we are part of reality, not just actors in a deterministic existence but active co-creators.
Castro's imagery, surrealist in its strangeness and intensity, seeks to start a conversation about humanity's ecological and existential crisis.
Daniella Rangel
PAST
Antes de que nos despierten
ALEXIS MATA
From November 16th to January 7th, 2024
catalogue
“Antes de que nos despierten" de Alexis Mata, surge como un cuerpo de obra intimo a través de una práctica basada en la contemplación diaria y la documentación meticulosa de sus sueños, ya sean plasmados en textos o en forma de bocetos.
A partir de estos apuntes Alexis alimenta a la inteligencia artificial, explicándole textualmente las imágenes que ha soñado a veces en forma de haikus o poemas; otras, con palabras aisladas, auto-referenciales y acotadas. Al procesar estos datos, la inteligencia artificial devuelve traducciones en imágenes. Estas imágenes, a su vez, sirven de referencia para la creación de las pinturas, como una manera de dar coherencia al mundo onírico subconsciente generando y regenerando perpetuamente los escenarios imaginados.
Los paisajes resultantes se aproximan metafóricamente a los fallos de la mente cuando uno se esfuerza por recordar los sueños: un juego de distorsión, el titubeo de la memoria y la desconcertante sensación de desvanecimiento o pérdida de fragmentos de información. Todo esto se expresa pictóricamente en pinceladas de color barridas, los “glitches” característicos de la obra de Alexis y las vistas distorsionadas, meticulosamente plasmadas en los lienzos.
Cierta melancolía y éxtasis coexisten en las representaciones que el artista hace de sus realidades interiores, en contraste con la realidad "exterior", más bien factual y carente de emoción. Al examinar la evolución del sentimiento y la percepción, Alexis se adentra en dimensiones superpuestas y construye puentes a la realidadpor medio de su obra.
Cuando uno intenta recordar un sueño, explora en los archivos de la memoria que lo albergan. Igualmente, al elaborar los sueños la psique indaga en numerosos registros, conscientes e inconscientes, que almacenan lo que uno ha visto, oído, tocado, olido, saboreado, percibido, sentido, pensado. Y establece conexiones. En el sueño se enlazan elementos aparentemente dispares, generando nuevas realidades absurdas a juicio de los mecanismos racionales de la mente vigilante. Del mismo modo, la inteligencia artificial, alimentada por la aportación humana, escanea los vastos archivos de información digital colectiva creando asociaciones, a veces inconexas, para generar una respuesta.
Alexis Mata aborda el complejo y poco explícito fenómeno situado entre lo humano y lo digital. Aquí nos enfrentamos a espectros, a ensoñaciones íntimas, al acto de adentrarse en la propia oscuridad, de abrirse paso a través de las sombras interiores hacia la luz, -a pesar de ocasionales fracasos-, de cruzar a veces umbrales metafísicos y metafóricos. Sus obras dedican una meticulosa atención a los colores, estableciendo un intrincado diálogo tanto con la psicofísica como con el simbolismo del Sol. Estas obras sirven como traducciones, moviéndose con fluidez entre la realidad física y la simulación digital y, a la inversa, traduciendo el subconsciente individual -un reino del que los sueños extraen materia prima- a la conciencia colectiva virtual, la fuente de la que se nutre la IA para formular respuestas.
Daniella Rangel
"Before They Wake Us Up" by Alexis Mata, emerges as an intimate body of work through a practice based on daily contemplation and meticulous documentation of his dreams, whether captured in texts or sketches.
From these notes, Alexis feeds the artificial intelligence, explaining textually the images he has seen and the moments he has lived in dreams, sometimes in the form of haikus or poems, others with isolated, self-referential, and limited words. By processing this suggestive data, the artificial intelligence returns translations in images. These images, in turn, serve as a reference for the creation of the paintings, as a way of giving coherence to the subconscious dream world by perpetually generating and regenerating the imagined scenarios.
The resulting landscapes metaphorically approximate the failures of the mind when one strives to remember dreams: a game of distortion, the hesitation of the memory, and the disconcerting sensation of fading or losing fragments of information. This is expressed pictorially in swept brushstrokes of color, the "glitches" characteristic of Alexis' work, and the distorted views meticulously captured on the canvases.
A certain melancholy and ecstasy coexist in the artist's representations of his inner realities, in contrast to the "external" reality, which is factual and lacking emotion. The artist delves into interconnected dimensions and bridges to reality through his work by examining the evolution of feeling and perception.
When one tries to remember a dream, one explores the memory archives that house it. Likewise, when forming dreams, the pyque investigates numerous conscious and unconscious registers that store what one has seen, heard, touched, smelled, tasted, perceived, felt, and thought. And it makes connections. The dream links disparate elements, generating absurd realities in the judgment of the rational mechanisms of the vigilant mind. Likewise, artificial intelligence, fueled by human input, scans vast archives of collective digital information, creating associations, sometimes unconnected, to generate a response.
Alexis Mata addresses the complex and inexplicable phenomenon between humans and the digital. Here, we face specters and intimate daydreams, entering our own darkness and making our way through the inner shadows towards the light -despite occasional failures, sometimes crossing metaphysical and metaphorical thresholds. His works devote meticulous attention to colors, establishing an intricate dialogue with psychophysics and the sun's symbolism. These works serve as translations, moving fluidly between physical reality and digital simulation and, conversely, translating the individual subconscious - a realm from which dreams draw raw material - into the virtual collective consciousness, the source from which nurtures AI to formulate responses.
PAST
TREMOR
group show
catalogue
Alexis Mata, Sabino Guisu, Cisco Jiménez, Marcos Castro, Taeko Nomiya, Ricky Lee Gordon, Enrique Barquet, Meredith Dittmar, Putu Wirantawan, Antonio Vidal
From August 10th till October 15th, 2023
Diez artistas contemporáneos integran esta exposición que explora la relación consciente- inconsciente / interior-exterior / hombre-naturaleza teniendo al volcán como una epifanía manifiesta del inconsciente colectivo. Inspirados por la paradoja entre su belleza apacible y su destrucción aterradora.
Desde la perspectiva Junguiana, el símbolo del volcán y su relación con el inconsciente se explica en el mito griego del monstruo Tifón que es arrojado por Zeus al fondo del monte Etna. En el fondo del volcán yace el arquetipo de la sombra; los impulsos y debilidades que son reprimidos. Tifón - el estado primitivo-, es literalmente sumergido bajo tierra. El volcán es ese estado liminal entre lo formal y lo sin forma; el inconsciente no surge hasta que la acumulación de materia y la presión es excesiva.
"El trueno ya no es la voz de un dios, ni el rayo es su misil vengador. Ningún río contiene un espíritu, ningún árbol significa la vida de un hombre, ninguna serpiente es la encarnación de la sabiduría, y ningún volcán alberga ya a un gran demonio. La comunicación directa con la naturaleza se ha ido para siempre, y la energía emocional que generó se ha hundido en el inconsciente." C.G. Jung
Así es como Jung presentaba el principal problema de la humanidad. El cordón umbilical que una vez existió entre los humanos y la Naturaleza ha sido cortado por el progreso y la ciencia, y lo que una vez fue parte de la comprensión "natural" ha sido relegado a la mente inconsciente. Un reino oculto que tememos explorar, sabiendo que, si desenterramos lo que ha sido reprimido, cambiaríamos nuestra visión del mundo por completo.
Si tal como es adentro es afuera. ¿Por qué somos un volcán activo?
Ten visual artists are part of this exhibition that explores the conscious-unconscious / interior-exterior / man-nature relationship with the volcano as a manifest epiphany of the collective unconscious. Inspired by the paradox between its peaceful beauty and its terrifying destruction.
From the Jungian perspective, the symbol of the volcano and its relationship with the unconscious is explained in the Greek myth of the Typhoon monster thrown by Zeus to the bottom of Mount Etna. At the bottom of the volcano lies the archetype of the shadow, the repressed impulses and weaknesses. Typhoon - the primitive state - is literally submerged underground. The volcano is that liminal state between the form and the formless; the shadow does not arise until the accumulation of matter and the pressure is excessive.
"Thunder is no longer the voice of a god, nor is lightning his avenging missile. No river contains a spirit, no tree means a man's life, no snake embodies wisdom, and no volcano harbors a great demon. His immediate communication with Nature is gone forever, and the emotional energy it generated has sunk into the unconscious." -C.G. Jung
This is how Jung presented the main trouble with humankind. Progress and science have severed the umbilical cord between humans and the natural world, and that which was once part of the "natural" understanding has been relegated to the unconscious mind. A hidden realm that we fear to explore, knowing that if we unearthed what has been suppressed, we would change our view of the world altogether.
If As above, so below. Why are we an active volcano?
PAST
DE LA DUALIDAD A LA UNIDAD
Mario Arroyave
From May 19th 2022 till July 8th, 2023
online catalogue
Hay algunas preguntas fundamentales que han acompañado a la humanidad desde el principio de nuestra historia y que han sido el punto de partida de la filosofía, la ciencia y el arte, nuestros esfuerzos más ambiciosos por comprender los mecanismos que gobiernan nuestra vida. Durante la mayor parte de esa búsqueda ha quedado claro que el universo se rige por simetrías ocultas, pero latentes. Hay un orden que no nos es evidente, pero que sí es perceptible.
Ese orden está relacionado con la simetría suprema que existía en el universo antes del Big Bang, cuando las cuatro interacciones fundamentales de la física eran una sola, algo que los científicos buscan transcribir en lo que se conoce como la “Ecuación de Dios”.
Las líneas y formas que vemos en las piezas de esta exposición son un alfabeto visual que Mario Arroyave recibió en sus meditaciones durante el último año para luego descubir que este alfabeto correspondía con las gráficas científicas de las ondas gravitacionales, las partículas elementales, los agujeros de gusano y las cuerdas que componen el universo. Las obras de esta exposición son una bitácora personal del artista que da testimonio de la búsqueda milenaria de la humanidad para descifrar las interacciones del universo. La búsqueda de la conexión con el todo. La búsqueda de la unidad.
There are fundamental questions that have accompanied humanity since the outset of our history. Questions that gave rise to philosophy, science and art, our most ambitious efforts to understand the mechanisms that rule our lives. During most of that quest it has been clear that the universe is governed by hidden but latent symmetries. There is an order that is not evident to us, but that is indeed perceptible.
This order is related to the supreme symmetry that existed in the universe before the Big Bang, when the four fundamental interactions of physics were one, something that scientists seek to transcribe in what is known as "The God Equation."
The lines and shapes that we see in the pieces of this exhibition are a visual alphabet that Mario Arroyave received in his meditations of the past year and later discovered that this alphabet mirrors the scientific portrayals of gravitational waves, elementary particles, wormholes and the strings that make up the universe. The works in this exhibition are a personal journal of the artist that recounts our collective quest to decipher the interactions of the universe. The search for the connection with the whole. The search for unity.
PAST
HIPNEROTOMAGIA
Pedro Friedeberg
From February 8th 2022 till March 19th, 2023
online catalogue
Hipnerotomagia, Pedro Friedeberg´s solo show, presents his new series of paintings and sculptures inspired by one of his favorite books from the XV century, Hypnerotomachia Poliphili, a bizarre, erotic, allegorical tale by Francesco Colonna. Once called by Carl Jung the first stream-of-consciousness novel, an oneiric story with obsessive details on architecture, landscape, and costume.
In the same spirit, like a bucolic-classical dreamland in search of love, Friedeberg´s latest works are elaborately descriptive and unsparing in their use of visual superlatives. Making frequent references to classical geography, mythology, and aesthetics.
Opening during Mexico City´s art week, Pedro Friedeberg´s solo show Hipnerotomagia will take the viewer on a psychedelic surrealist visual ride.
Hipnerotomagia, exposición individual de Pedro Friedeberg, presenta su nueva serie de pinturas y esculturas inspiradas en uno de sus libros favoritos del siglo XV, Hypnerotomachia Poliphili, una historia bizarra, erótica y alegórica de Francesco Colonna. Alguna vez llamada por Carl Jung, la primera novela de la corriente de la conciencia.
Historia onírica con detalles obsesivos sobre la arquitectura, el paisaje y el vestuario. Con el mismo espíritu, como un país de ensueño bucólico-clásico en busca de amor, las últimas obras de Friedeberg son elaboradamente descriptivas y despiadadas en el uso de superlativos visuales. Haciendo frecuentes referencias a la geografía clásica, la mitología y la estética.
Inaugurando durante la semana del arte de la Ciudad de México, la exposición individual Hipnerotomagia de Pedro Friedeberg llevará al espectador a una travesía surrealista.
PAST
ZONA MACO
main section Booth B129
8-12 Feb, Mexico City
Mario Arrroyave
Pedro Friedeberg
Cisco Jiménez
Ricky Lee Gordon
Alexis Mata
Sabino Guisu
Stefan Sagmeister
Olivia Steele
Simón Vega
online catalogue
PAST
EL LIBRO DE LOS CIELOS
Paula Duró
From November 25th 2022 till January 15th, 2023
online catalogue
La obra de Paula Duró amalgama lo mismo elementos psicodélicos que folclóricos, creando alegorías inspiradas por el mundo onírico, la magia, las prácticas chamánicas y la relación del ser humano con la Naturaleza.
Su cosmovisión única mezcla elementos del Antiguo Egipto con tradiciones indígenas de Sudamérica, guiando a los observadores en un viaje iniciático a través de la sabiduría atemporal de las tradiciones originarias. Sus escenas son representaciones de espacios etéricos en los que fuerzas multidimensionales interactúan con seres arquetípicos en acciones que expresan el movimiento de las energías universales.
Describiéndose a sí misma como una pintora de luz y sombra, el trabajo de la artista argentina explora el plano espiritual, las fuerzas de luz y oscuridad que lo habitan, y cómo los seres humanos podemos integrar tales fuerzas y vivir en armonía con ellas. Su arte nos anima a redescubrir el sentido sagrado de unidad que tenemos con el universo y reconocer nuestro papel y conexión con él.
A través de su visión artística, Duró nos invita a dar forma al mundo con nuestros sueños, participando activamente en la creación, para dejar de estar condenados a vivir en un mundo imaginado por otros. Al unir el mundo físico con el invisible, el arte de Paula nos recuerda la belleza y la magia del planeta que habitamos y del que podemos ser parte.
El Libro de los Cielos es su más reciente serie de pinturas inspiradas por un diálogo con los escribas celestiales, los guardianes de la fuente de la que emergen las mil formas. Para Paula esta serie es una ofrenda al espíritu, un puente que le permite dialogar con el colectivo dejando de lado la mente a través del corazón.
Paula Duró's work amalgamates psychedelic and folkloric elements, creating allegories inspired by the dream world, magic, shamanic practices, and the relationship between human beings and Nature.
Her unique worldview mixes elements of Ancient Egypt with indigenous traditions from South America, guiding viewers on an initiatory journey through the timeless wisdom of the original traditions. Her scenes represent etheric spaces in which multidimensional forces interact with archetypal beings in actions that express the movement of universal energies.
Describing herself as a painter of light and shadow, Duró's work explores the spiritual plane, the forces of light and darkness that inhabit it, and how humans can integrate such forces and live in harmony with them. Her art encourages us to rediscover our sacred sense of oneness with the universe and acknowledge our role and connection to it.
Through her artistic vision, she invites us to shape the world with our dreams, actively participate in creation, and stop being condemned to live in a world that others imagine. By bridging the physical world with the invisible, Paula's art reminds us of the beauty and magic of the planet we inhabit and can be a part of.
El Libro de los Sueños (The Book of Heavens) is her most recent series of paintings inspired by a dialogue with the heavenly scribes, the guardians of the source from which a thousand forms emerge. For Paula, this series is an offering to the spirit. A bridge that allows her to dialogue with the collective, leaving aside the mind through the heart.
AT MIAMI BEACH
COCIJO, God of Thunder
Sabino Guisu
till December 3th, 2022
online catalogue
Where have all the gods fled?
This is one of the great questions of modernity. The gods, animals, plants, traditions, hundreds of languages , and human perspectives have also fled.
Don't we feel a kind of orphan of all things in the present? What has been the alternative followed by Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? His work can be considered a continuous reflection between the sacred and the profane: how worldliness and religious sentiment coexist in today's life. Is it possible to reconcile both views? Art allows Sabino to guide his thoughts and show the ambiguity between modernity and the ancient past. This is how he works from the paradox, creating artifacts and objects of strange beauty, which question us if we have really lost the great myths that constitute our civilization.
Referring to the pop culture of Art-Toys, Sabino Guisu illustrates what the symbolic figure of Cocijo would be like in the parallel universe of modernity. The work of the Oaxacan creator has been to search for those pieces buried in consciousness, fragments that beat with a primordial fire. And give them a new meaning.
Sabino Guisu visited the Kimbell Art Museum in Texas a few years ago. Among the collection is a funerary urn of the god Cocijo, the deity of rain and lightning among the ancient Zapotecs. The artist thought about making said figure return to its place, to Oaxaca. Impossible to remove it or ask the museum for its return. So he better decided to rewrite the history of Cocijo and make it return symbolically to our days.
The materials used, conglomerate, metal, resins, acrylics, are all profane elements, materials from the industrial age. The colors, already electric, give a strange veneer of modernity, which seems to collide with the timeless deity. Where did the sacred images go? Where do all the symbols, the rituals, the cracks from which the sacred emanates flow? Is it still possible to talk about mythology? It's possible.
Where have all the gods fled? They are still here, and perhaps you just have to look deep enough to realize that reality is inhabited by enigmatic energy.
Guillermo Santos
PAST
NIGHT BIRDS Yohualtotomeh
group show
From October 7th till November 20th, 2022
online catalogue
AEC Interesni Kazki / Alexis Mata / Cisco Jiménez / Julian Bonequi / Lauren Clay/ Mario Arroyave / Mars-1 /Meredith Dittmar / Olivia Steele / Paula Duró / Sabino Guisu/ Taeko Nomiya
Lauren Clay, Blue Riser, 2022
Los sueños han intrigado a la humanidad desde el principio de los tiempos, brindando a algunos una segunda vida, una conexión con lo divino u ofreciendo pistas sobre las complejidades más profundas de la mente humana.
Carl Jung dijo que los sueños son productos espontáneos de la psique inconsciente, fuera del control de la voluntad. Son pura naturaleza; nos muestran la verdad natural sin adornos y, por lo tanto, están preparados para devolvernos una actitud acorde con nuestra naturaleza humana básica cuando nuestra conciencia se ha desviado demasiado de sus cimientos y se encuentra en un callejón sin salida.
Para la gente original de Australia, no había diferencia entre la vida diaria y el mundo de los sueños, por lo que la red de "hilos que se cruzan" sirve de inspiración para crear y navegar por el mundo tangible. En la antigua Grecia se creía que algunos sueños podían albergar visiones proféticas, visitas de fantasmas o dioses, e incluso sueños que podían sanar al soñador.
En la cultura Tolteca, el nagualismo era una práctica donde los soñadores, a través de entrenamiento, disciplina y herramientas -como el espejo de obsidiana-, podían acceder al mundo onírico y navegarlo conscientemente, desarrollando una nueva atención desde el ombligo. En el “ensoñamiento” el curandero conectaría ambos mundos y “despertaría” en otro “punto de encaje” sin volver a dormirse, viviendo en plena consciencia a través del cuerpo energético por el resto de sus días.
Los practicantes contemporáneos de Sueños Lúcidos toman prestado el conocimiento de muchas de estas prácticas ancestrales que proporcionan métodos para acceder a través de "llaves" y "puertas" para hacerse conscientes en los sueños. Crear planes de acción para tener experiencias o conectarse con personas y lugares en el Cuántico donde las leyes del tiempo y el espacio pueden ser transformadas con pura intención. Abriendo así las posibilidades para una vida de conciencia expandida durante el día y la noche.
Bird Nights, Yohualtotomeh, integra a un grupo de artistas inspirados en los sueños. Lauren Clay, con años en una práctica Junguiana documentándolos cada noche para crear esculturas que representan puertas al mundo onírico, Julian Bonequi, que desde muy joven accede al mundo de los sueños para crear y aprender a cantar, Sabino Guisu conectado con su ascendencia zapoteca y el espejo de obsidiana como un portal a otros mundos. Meredith Dittmar descargando códigos y diagramas de procesos multidimensionales y Paula Duró representando en sus obras fuerzas arquetípicas en ceremonias sagradas.
Los sueños han demostrado desde el principio de la humanidad ser más que un tiempo de descanso, son una dimensión donde convergen las realidades, un espacio de creación que demuestra que el acceso al espacio cuántico y la psique humana son ilimitados.
Yohualtotomeh es una palabra compuesta que proviene del idioma náhuatl. Yohual significa “noche” y totomeh “pájaros” = “pájaros nocturnos”.
Dreams have intrigued humanity since the beginning of time, providing for some a second life, a connection to the divine, or offering clues to the most profound intricacies of the human mind.
Carl Jung said dreams are spontaneous products of the unconscious psyche, outside the control of the will. They are pure nature; they show us the unvarnished, natural truth and are therefore fitted to give us back an attitude that accords with our basic human nature when our consciousness has strayed too far from its foundations and run into an impasse.
For the original people in Australia, there was no difference between waking and dreamtime, so the web of “intersecting threads” provided inspiration for creating and navigating the tangible world. In ancient Greece, they believed that some dreams could host prophetic visions, visitations by ghosts or gods, and even dreams that could heal the dreamer.
In the Toltec pre-Columbian Mexican culture, Nagualism was a practice where dreamers, through training, discipline, and tools -like the obsidian mirror-, could access the dream world and navigate it consciously by developing a new body or “double.” Then, through that alternative body activation, the individual would connect both worlds and “wake up” in another dream position without falling asleep again, living through the energy body.
Contemporary Lucid Dream practitioners borrow knowledge from many of these ancestral practices providing methods to access through “keys” and “gateways” to become conscious in dreams. Creating action plans to have experiences or to connect to people and places in the quantum where the laws of time and space can be bent by mere intention. Opening the possibilities for a life of expanded awareness through day and night.
Bird Nights, Yohualtotomeh show integrates a group of artists inspired by dreams. Lauren Clay, who has been in a Jungian practice recording her dreams for years and taking inspiration to create sculptures that depict doors to the dream world, Julian Bonequi, who, since a teenager, has been accessing the dreamworld to learn how to sing and create multimedia. Sabino Guisu connected to his Zapotec ancestry and the obsidian mirror as a portal to parallel worlds. Meredith Dittmar codes downloads from multidimensional processes, and Paula Duró depicture of archetypal forces at sacred ceremonies.
Since the beginning of humanity dreams have shown us s to be more than a resting time, they are a dimension where realities converge, a creative playground confirming that the access to the quantum space and the human psyche are unlimited.
Yohualtotomeh is a compound word that comes from the Nahuatl language. Yohual means “night” and totomeh “birds” = “night birds”.
PAST
GA.IA
Retratos y Visiones en Escenarios Multiespecie
Julian Bonequi @o_oo.earth
Opening Friday August 12th, 2022
online catalogue
Is it possible to capture the spirit of language and materials of cognition or spirituality in an era where the technological singularity has already been set in motion?
Planet Earth constantly transforms its composition to ensure its survival, including all living beings, plants, oceans, and minerals, as a single powerful organism. Like her, humans integrate a microcosm of connections and code into their bodies with all life forms. Through that sentient body, we can merge with our source from imagination, perception, biomimetic creativity, and communication with what has always been clear for many ancient cultures: GAIA is alive.
With this vision in mind, GA.IA is born: Generative Art / Artificial Intelligence, as an interior projection and a reflection of the state of the Art according to these times, in which every detail of the objects as well as any element of the natural world are endowed with life, soul, and consciousness of their own. It is through this mediation that today it is possible for us to enunciate an idea and, in seconds or minutes, check if the concept adequately communicates what one imagines, with access to the greatest in the history of humankind.
Who is "artificial" intelligence, and who is the "real" intelligence behind the creation and training of the future and present of humanity? t That historical moment has come when technological growth has become uncontrollable and addictive.
Through models of generating images from text and with the desire to interpret visions and guided readings with the help of the elements and materials of nature and language, Julian Bonequi generated 7,443 images over the last few months living in the mountain. GA.IA is a selection of images from that artist's process, created with an Android phone sending messages to a bot on Discord as a tester for the Beta version of Midjourney.
Beyond his career as a hybrid artist working with 3D and sound for more than two decades, Bonequi's work mixes procedures and techniques that range from ritual to interactive writing, syntax, the code of the primitive, and synthesis through contemplation. In his works, the oneiric interpretation of the narrative materials interweaves gestures from liminality and love of the living, exalting from his visions and portraits. Singularity expands shoulder to shoulder with the climate crisis.
In the next years - even in months -we will see radical changes in how these narratives, gameplays, interactions, and experiences are built - not only- in the digital space but processed in real-time. The interactive, the infinite, and the augmented will give an absolute exponential turn to everything known in Art, culture, society, and life.
Bonequi's work points to the exercise of liminal capacities, leading to the perception beyond the imaginary of what we have not yet been able to decipher as a whole, nor as individuals, and how it is that we have lost contact with the senses to perceive, feel and listen to the other voices of the Planet.
Does Artificial Intelligence Dream About Spirit?
¿Es posible capturar el espíritu de las palabras y los materiales de la cognición o de la espiritualidad misma, en una era donde la singularidad tecnológica ya se ha puesto en marcha de manera irreversible?
El planeta Tierra en su totalidad transforma su composición constantemente para asegurar su supervivencia, incluyendo todo tipo de seres vivos, plantas, océanos y minerales. Como ella, los seres humanos integran en sus cuerpos un microcosmos de conexiones y código con todo tipo de formas de vida. Es a través de ese cuerpo sentiente que se nos permite fusionar a nuestra fuente desde la imaginación, la percepción, la creatividad biomimética y la comunicación, con lo que para muchas culturas milenarias siempre ha sido claro: GAIA está viva.
Con esa visión en mente, nace GA.IA : Generative Art / Inteligencia Artificial, como una proyección interior y una reflexión del estado del Arte acorde a estos tiempos, en que cada detalle de los objetos como cualquier elemento del mundo natural están dotados de vida, alma y consciencia propia, y es por dicha mediación, que hoy nos es posible enunciar una idea, y en segundos o minutos comprobar si la idea comunica adecuadamente lo que uno imagina, con acceso a la biblioteca más grande en la historia de la humanidad.
¿Quién es la inteligencia "artificial" y quién es la inteligencia "real" detrás de la creación y entrenamiento de las Inteligencias del futuro y del presente humano? Ha llegado ese momento histórico en el que el crecimiento tecnológico se ha vuelto incontrolable y adictivo.
Mediante modelos de generación de imágenes a partir de texto, y con el afán de interpretar visiones y lecturas guiadas con la ayuda de los elementos y materiales de la naturaleza y el lenguaje, Julian Bonequi generó 7443 imágenes a lo largo de los últimos meses viviendo en la montaña. GA.IA es una selección de imágenes de ese proceso del artista, creadas con un teléfono Android enviando mensajes a un bot en Discord como testeador de la versión Beta de Midjourney.
Más allá de su trayectoria como artista híbrido trabajando con 3D y sonido desde hace más de dos décadas, la obra de Bonequi entremezcla procedimientos y técnicas que van de la escritura de lo ritual a lo interactivo, como de la sintaxis, el código de lo primitivo y la síntesis por conducto de la contemplación, donde la interpretación onírica de los materiales narrativos, entretejen los gestos provenientes de la liminalidad y del amor a lo vivo, exaltando desde sus visiones y retratos, la Singularidad expandiéndose hombro con hombro con la crisis climática.
En los siguientes años - incluso meses -, veremos cambios radicales en cómo se construyen dichas narrativas, la jugabilidad, las interacciones y las experiencias no únicamente en el plano digital, sino que serán esas experiencias procesadas en tiempo real desde nuestros teléfonos, donde lo interactivo, lo infinito y lo aumentado, darán un giro exponencial absoluto a todo lo conocido en el arte, la cultura, la sociedad humana y en la vida misma.
Finalmente, la obra de Bonequi apunta a la ejercitación de las capacidades liminales, llevando a la percepción más allá del imaginario de lo que no hemos logrado descifrar aún como conjunto, ni como individuos, y en cómo es que hemos perdido contacto con los sentidos para percibir, sentir y escuchar a las otras voces del Planeta.
¿Sueña la Inteligencia Artificial sobre el Espíritu?
PAST
PORTALS
Aaron Glasson | Aleph Geddis | Caledonia Curry SWOON
Mario Arroyave | Remed | Ricky Lee Gordon
Opening Thursday April 28th, 2022
online catalogue
From Māiā / Illusion
To Śūnyatā / Emptiness
Transition, process and portals
A ceremony
To open and receive a mystical inspiration
To go beyond
In Vedic texts, Māiā connotes a magic show, an illusion where things appear to be present but are not what they seem. Māiā is the powerful force that creates the cosmic illusion that the phenomenal world is real.
Māiā also connotes that which is constantly changing and thus spiritually unreal and conceals the true character of spiritual reality. Under Māiā's influence, the Atman (the soul) mistakenly identifies with the body. Thus the illusioned soul identifies with the temporary body and everything connected to it. The soul aspires to control and enjoy matter under this sense of false ego (false identity). As a result, he often redoubles his efforts in frustration and, compounding mistake upon mistake, only falls deeper into illusion.
But how do we come out of this illusion?
First, recognize it and then go into openness to receive, but before it's necessary to empty the mind. To go into the sacred void to have clarity. To go into Sūnyata.
Sūnyata or Emptiness comes from the root śūnya, which in the context of buddha-dharma means "empty" or "void," but also means "zero," "nothing," and "hollow." In the Buddha-nature teachings, it refers to empty awareness. The voidness constitutes ultimate reality; sunyata is seen not as a negation of existence but rather as the undifferentiation out of which all apparent entities, distinctions, and dualities arise.
PORTALS is a collective exhibition that presents the work of a group of international artists: Aaron Glasson, Aleph Geddis, Caledonia Curry AKA Swoon, Mario Arrroyave, Remed, and Ricky Lee Gordon. They all explore different mediums and formats to create pieces as portals to enter other realms of existence.
Sūnyata is also the name of the artist's residence, founded and hosted by artist Ricky Lee Gordon. Located on the Blue Beach Island on the southernmost coast of Sri Lanka created as a refuge for mindful, contemplative, and creative practices. Śūnyatā is a retreat back into the creative self, away from the past and the future noise, a reminder, and a reflection.
For this exhibition, Śūnyatā Sri Lanka partnered with MAIA Contemporary to invite all past and future artists in residence to participate in this group show.
En los textos védicos, Māiā connota un espectáculo de magia, una ilusión en la que las cosas parecen estar presentes, pero no son lo que parecen. Māiā es la poderosa fuerza que crea la ilusión cósmica de que el mundo fenoménico es real.
Māiā también connota lo que cambia constantemente y, por lo tanto, es irreal y oculta el verdadero carácter de la realidad espiritual. Bajo la influencia de Māiā, el Atman (el alma) se identifica erróneamente con el cuerpo. Así, el alma ilusionada se identifica con el cuerpo temporal y todo lo relacionado con él. El alma aspira a controlar y disfrutar la materia bajo este sentido de falso ego (falsa identidad). Como resultado, a menudo redobla sus esfuerzos en la frustración y, agravando error tras error, solo cae más profundamente en la ilusión.
¿Cómo salimos de esta ilusión?
Lo primero es reconocerlo y luego entrar en apertura para recibir, pero antes es necesario vaciar la mente. Ir al vacío sagrado para tener claridad. Entrar en Sūnyata.
Sūnyata o Vacuidad proviene de la raíz śūnya, que en el contexto de buddha-dharma significa "vacío", pero también significa "cero", "nada" y "hueco". En las enseñanzas de Buda, se refiere a la conciencia vacía. La Vacuidad constituye la realidad última; sūnyata no se ve como una negación de la existencia, sino más bien como la indiferenciación de la que surgen todas las entidades, distinciones y dualidades aparentes.
PORTALS es una exposición colectiva que presenta el trabajo de un grupo de artistas internacionales: Aaron Glasson, Aleph Geddis, Caledonia Curry AKA Swoon, Mario Arrroyave, Remed y Ricky Lee Gordon. Todos exploran diferentes medios y formatos para crear piezas que sirvan como portales para ingresar a otros reinos de existencia.
Sūnyata es también el nombre de la residencia de artistas, fundada por Ricky Lee Gordon. Ubicada en Blue Beach Island, en la costa más al sur de Sri Lanka, Sūnyata fue creada como un refugio para prácticas conscientes, contemplativas y creativas.
Para esta exposición, Śūnyatā Sri Lanka se une con MAIA Contemporary para invitar a todos los artistas residentes pasados y futuros a participar en esta exposición colectiva.
PAST
ART BASEL HONG KONG
Cisco Jimenez
online catalogue
Discoveries booth 1C39
May 23-28, 2022
For Hong Kong 2022 Cisco Jimenez proposes a new series of paintings and sculptures where nature, technology, and the landscape emerge petrified with symbolic remains of an extinguished civilization proclaiming the future that never came to be.
This fusion of geological-looking formations and retro artifacts is reminiscent of orographic diagrams. In addition, the visual compositions are evocative of progressive rock album covers.
Boomboxes, record players, magnetic tapes, radio recorders, among other devices now obsolete, are patched up, dissected, and recreated with artisanal techniques. These have been drawn, sculpted, and wood-carved. Cisco's work is a hybrid between painting and sculpture. His work pushes the discussion of paintings as objects. These glorified objects turned into totems are Jimenez's ultimate fetish. Until the early 1980s, acquiring the latest.
Sony walkmans or an Atari was only available in the black market or traveling to the USA. Mexican illegal immigrants would send home money, Hi-Fi equipment, and packages of M&Ms. The younger folks of that era would treasure all these products that represented progress and aspiration of an American ideal.
Cisco excavates the cultural debris of a generation that feels lost. From a time when the future looked bright, and the notion of progress, social evolution, and ecological balance seemed possible—the longing of a past era. Cisco's work is an inquiry into the contrasts of Latin American culture and society, from its pre-Hispanic origins to the complicated themes of politics, the economy, popular expressions, and survival.
PUBLIC ART
COCIJO SCULPTURE
Sabino Guisu
@ Paseo de la Reforma, Museo de Antropología
online catalogue
Where have all the gods fled?
This is one of the great questions of modernity. The gods, animals, plants, traditions, hundreds of languages , and human perspectives have also fled.
Don't we feel a kind of orphan of all things in the present? What has been the alternative followed by Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? His work can be considered a continuous reflection between the sacred and the profane: how worldliness and religious sentiment coexist in today's life. Is it possible to reconcile both views? Art allows Sabino to guide his thoughts and show the ambiguity between modernity and the ancient past. This is how he works from the paradox, creating artifacts and objects of strange beauty, which question us if we have really lost the great myths that constitute our civilization.
Referring to the pop culture of Art-Toys, Sabino Guisu illustrates what the symbolic figure of Cocijo would be like in the parallel universe of modernity. The work of the Oaxacan creator has been to search for those pieces buried in consciousness, fragments that beat with a primordial fire. And give them a new meaning.
Sabino Guisu visited the Kimbell Art Museum in Texas a few years ago. Among the collection is a funerary urn of the god Cocijo, the deity of rain and lightning among the ancient Zapotecs. The artist thought about making said figure return to its place, to Oaxaca. Impossible to remove it or ask the museum for its return. So he better decided to rewrite the history of Cocijo and make it return symbolically to our days.
The materials used, conglomerate, metal, resins, acrylics, are all profane elements, materials from the industrial age. The colors, already electric, give a strange veneer of modernity, which seems to collide with the timeless deity. Where did the sacred images go? Where do all the symbols, the rituals, the cracks from which the sacred emanates flow? Is it still possible to talk about mythology? It's possible.
Where have all the gods fled? They are still here, and perhaps you just have to look deep enough to realize that reality is inhabited by enigmatic energy.
Guillermo Santos
¿A dónde se han fugado todos los dioses?
Esta es una de las grandes preguntas de la modernidad. Junto a los dioses se han fugado también los animales, las plantas, tradiciones, cientos de lenguajes y perspectivas humanas.
¿No sentimos una especie de orfandad de todas las cosas en el presente? ¿Cuál ha sido la alternativa que recorre Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? Su trabajo puede considerarse una continua reflexión entre lo sagrado y lo profano: de cómo coexiste la mundaneidad y el sentimiento religioso en la vida actual. ¿Es posible conciliar ambas visiones? El arte le permite a Sabino orientar sus pensamientos y mostrar la ambigüedad entre modernidad y pasado antiquísmo. Así trabaja desde la paradoja, creando artefactos y objetos de extraña belleza, que nos cuestionan si realmente hemos perdido los grandes mitos que constituyen nuestra civilización.
Haciendo referencia a la cultura pop de los Art-Toys, Sabino Guisu ilustra cómo sería la figura simbólica de Cocijo en el universo paralelo de la modernidad. El trabajo del creador oaxaqueño ha sido el de buscar aquellas piezas enterradas en la conciencia, fragmentos que laten con un fuego primordial. Y darles un nuevo significado.
Sabino Guisu visitó hace unos años el Kimbelt Art Museum, en Texas. Allí, entre el acervo habita una urna funeraria del dios Cocijo, deidad de la lluvia y del rayo entre los antiguos zapotecas. El artista pensó en cómo hacer volver dicha figura a su lugar, a Oaxaca. Imposible sustraerlo o pedir al museo su devolución. Así que mejor decidió reescribir la historia de Cocijo y lo hizo volver de forma smbólica a nuestros días. Los materiales utilizados, conglomerado, metal, resinas, acrílicos, son todos elementos profanos, materiales de la era industrial. Los colores, ya de por sí eléctricos, dan un extraño barniz de modernidad, que parece chocar con la deidad atemporal. ¿Hacía donde van las imágenes sagradas? ¿Dónde desembocan todos los símbolos, los rituales, las grietas de las que emana lo sagrado? ¿Es posible hablar aún de la mitología? Es posible.
¿A dónde se han fugado todos los dioses? Siguen aquí, y quizá sólo haya que ver con suficiente hondura para darse cuenta de que la realidad está habitada por una energía enigmática.
Guillermo Santos
PAST
SABINO GUISU
Cocijo
solo show
online catalogue
February 9th - April 15th 2022
Colima 159, Roma Norte
Mexico City
