UPCOMING

SABINO GUISU
Cocijo
solo show 

February 9th - March 27th 2022

Colima 159, Roma Norte

Mexico City

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Where have all the gods fled?

This is one of the great questions of modernity. The gods, animals, plants, traditions, hundreds of languages , and human perspectives have also fled.

Don't we feel a kind of orphan of all things in the present? What has been the alternative followed by Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? His work can be considered a continuous reflection between the sacred and the profane: how worldliness and religious sentiment coexist in today's life. Is it possible to reconcile both views? Art allows Sabino to guide his thoughts and show the ambiguity between modernity and the ancient past. This is how he works from the paradox, creating artifacts and objects of strange beauty, which question us if we have really lost the great myths that constitute our civilization.

Referring to the pop culture of Art-Toys, Sabino Guisu illustrates what the symbolic figure of Cocijo would be like in the parallel universe of modernity. The work of the Oaxacan creator has been to search for those pieces buried in consciousness, fragments that beat with a primordial fire. And give them a new meaning.

Sabino Guisu visited the Kimbell Art Museum in Texas a few years ago. Among the collection is a funerary urn of the god Cocijo, the deity of rain and lightning among the ancient Zapotecs. The artist thought about making said figure return to its place, to Oaxaca. Impossible to remove it or ask the museum for its return. So he better decided to rewrite the history of Cocijo and make it return symbolically to our days.

 

The materials used, conglomerate, metal, resins, acrylics, are all profane elements, materials from the industrial age. The colors, already electric, give a strange veneer of modernity, which seems to collide with the timeless deity. Where did the sacred images go? Where do all the symbols, the rituals, the cracks from which the sacred emanates flow? Is it still possible to talk about mythology? It's possible.

Where have all the gods fled? They are still here, and perhaps you just have to look deep enough to realize that reality is inhabited by enigmatic energy.

Guillermo Santos

¿A dónde se han fugado todos los dioses?

Esta es una de las grandes preguntas de la modernidad. Junto a los dioses se han fugado también los animales, las plantas, tradiciones, cientos de lenguajes y perspectivas humanas.

¿No sentimos una especie de orfandad de todas las cosas en el presente? ¿Cuál ha sido la alternativa que recorre Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? Su trabajo puede considerarse una continua reflexión entre lo sagrado y lo profano: de cómo coexiste la mundaneidad y el sentimiento religioso en la vida actual.  ¿Es posible conciliar ambas visiones? El arte le permite a Sabino orientar sus pensamientos y mostrar la ambigüedad entre modernidad y pasado antiquísmo. Así trabaja desde la paradoja, creando artefactos y objetos de extraña belleza, que nos cuestionan si realmente hemos perdido los grandes mitos que constituyen nuestra civilización.

Haciendo referencia a la cultura pop de los Art-Toys, Sabino Guisu ilustra cómo sería la figura simbólica de Cocijo en el universo paralelo de la modernidad. El trabajo del creador oaxaqueño ha sido el de buscar aquellas piezas enterradas en la conciencia, fragmentos que laten con un fuego primordial. Y darles un nuevo significado.

Sabino Guisu visitó hace unos años el Kimbelt Art Museum, en Texas. Allí, entre el acervo habita una urna funeraria del dios Cocijo, deidad de la lluvia y del rayo entre los antiguos zapotecas. El artista pensó en cómo hacer volver dicha figura a su lugar, a Oaxaca. Imposible sustraerlo o pedir al museo su devolución. Así que mejor decidió reescribir la historia de Cocijo y lo hizo volver de forma smbólica a nuestros días. Los materiales utilizados, conglomerado, metal, resinas, acrílicos, son todos elementos profanos, materiales de la era industrial. Los colores, ya de por sí eléctricos, dan un extraño barniz de modernidad, que parece chocar con la deidad atemporal. ¿Hacía donde van las imágenes sagradas? ¿Dónde desembocan todos los símbolos, los rituales, las grietas de las que emana lo sagrado? ¿Es posible hablar aún de la mitología? Es posible.

¿A dónde se han fugado todos los dioses? Siguen aquí, y quizá sólo haya que ver con suficiente hondura para darse cuenta de que la realidad está habitada por una energía enigmática.

Guillermo Santos

online catalogue

CURRENT

TAEKO NOMIYA
Vida Real/Dual
solo show 

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19 November - 30 December 2021

Colima 159, Roma Norte

Mexico City

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Hace dos años fue la primera vez que mis fotos se mostraron en público. Comenzó entonces un remolino que nunca esperé. Esas fotos eran un poco un reflejo de lo que yo soy: algo que escapa a la taxonomía convencional, que vive entre categorías, que no es ni una cosa ni otra. Era natural que despertaran cierto interés, cierta curiosidad, como suele suceder con los bichos raros. Esa ha sido, después de todo, mi propia historia. Cuando alguien me conoce invariablemente siente la urgencia de que se le respondan ciertas preguntas, siempre las mismas. ¿De dónde soy? ¿qué soy? No importa cuánto trate de aclarar que soy mexicana, que nací y crecí en México, siempre soy mi amiga la japonesa. La fotógrafa japonesa.

Con mis fotografías yo pensé que iba a pasar lo mismo. Estas fotos no pertenecen a ninguna de las escuelas de la fotografía. No son deadpan, no son retratos. No son un montaje que solicite un análisis posmoderno como las fotos de Cindy Sherman. No tienen ese nervio ominoso de las fotografías de Masahisa Fukase, ni el minimalismo poético de las fotos de Rinko Kawauchi. Estas fotos son postales de un mundo peculiar en el cual hasta hace poco yo estaba convencida de que había una sola habitante. Un mundo que no podía ser real, porque era solo real para mí. Un mundo en el que México y Japón no son dos países en extremos opuestos de un globo, sino una sola realidad híbrida que coexiste en un solo espacio mental.

El haber mostrado esas fotos en público me hizo enterarme de algo que hoy parece groseramente obvio: que no soy la única habitante de ese mundo. Pero lo más interesante de esta revelación es que, no solo no soy la única habitante de ese mundo, tampoco soy la única que pensó que lo era. Una tras otra, decenas de personas me han escrito en estos dos años para decirme que nunca antes se habían sentido representadas por una imagen. Que nunca habían visto algo que fuera a la vez mexicano y japonés. Que abundan los casos de japoneses que se vuelven locos con México y hacen cosas a la mexicana, o de mexicanos que viven inmersos en la japonesidad y su vida entera gira en torno a eso. Pero, me decía una tras otra de esas personas que me escribían, nunca habían visto algo que fuera simultáneamente las dos cosas, como ellos mismos, y que el haberse encontrado esas fotos les había causado una especie de epifanía profunda, como verse por primera vez en un espejo.

En ese espejo mágico que son estas postales de ese mundo peculiar nos reconocemos nosotros, esos bichos raros que resistimos a la clasificación. Estas fotos son la prueba de que ese otro mundo no es esquizofrenia. De que existen otras formas de existir. 

Taeko Nomiya, Nov, 2021

 

XIMENA LABRA
BILLIONS Miles de Millones
solo show 

19 November - 30 December 2021

Colima 159, Roma Norte

Mexico City

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Billions es un proyecto sobre la fragilidad del tiempo. Entendido como una herramienta para medir narrar una serie de sucesos entre el momento en que nacemos y el momento de nuestra muerte, el tiempo es una ilusión en la que experimentamos una separación violenta del entorno. No nos relacionamos con él, no es parte nosotros sino que pasamos por una realidad física aparente, una serie de eventos y circunstancias que nos ocurren hasta que nuestro tiempo se acaba. Recordamos relativamente pocos milenios de nuestra propia historia y la mayoría de nuestros pensamientos y acciones como especie no incluyen un diálogo con el resto del universo existente, no es parte de nosotros sino que lo transitamos por un lapso insignificante.

 

En algún momento al acceder a la modernidad perdimos la capacidad de percibir el mundo como el conjunto de dos realidades, una objetiva y otra intangible pero importantísima en la que todos y todo lo que existe está interrelacionado. Estamos relacionados unos con otros no solo como humanos  sino también con todos los seres y con todos los elementos de la naturaleza en un parentesco tan estrecho que no es posible que los elementos de esta comunidad sobrevivan por separado.

 

En 2019 durante un viaje por Japón encontré en Tsukuba, una ciudad de dedicada  a la ciencia, un parque con una serie de bajorrelieves en bronce a gran detalle que como parte del mobiliario urbano narran la creación de la Tierra y los planetas tal y como se aprende en el colegio. Un gran estallido, la creación del sol, la aparición de la vida en la tierra, la sopa primigenia, trilobites, cefalópodos y dinosaurios:  Muchos mundos anteriores al nuestro que desaparecieron subtitulados por enormes cifras numéricas.

 

Compré en una tienda de segunda mano una serie de telas amarillas con las cuales me dediqué a envolver los bajorrelieves haciendo una serie de frottages en grafito. Los paseantes me preguntaban -tal vez alarmados por la posibilidad de que lo mío fuera un tipo de vandalismo- porqué hacía eso y si podía leer los contenidos, algunos solamente en japonés que muy amablemente me traducían, (después de una breve explicación de la índole artística del asunto) en muchos miles de millones de años.

 

Los bajorrelieves del parque tal vez llevan unas décadas en la calle, y a pesar de que se defienden con la  dignidad de su belleza y la resistencia de su propio material ante el paso del tiempo tienen ya señales de desgaste y algunos, como los mundos que describen, han empezado a desaparecer.

 

El planeta que creíamos vastísimo y de infinitos recursos hasta hace apenas el siglo pasado revela su naturaleza pequeña, como una cajita de Petri en las que el experimento bacteriano se colapsa al consumirse a si mismo y se transforma en otra cosa, muerta, que eventualmente, tras innumerables ceros en el tiempo que tampoco recordaremos será otro mundo. Nuevo.

5-7 nov

clausura
ALEXIS MATA

Sueñan las Flores que Desaparecen 
solo show
 

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music meets art
SHIRO SCHWARZ

Soft Bounce 
live performance
 

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Shiro Schwarz is an audiovisual production and performance duo. The project was founded on 2011 by Pammela Rojas & Rafael Marfil. Pammela is a visual artist and singer and Rafael is a synthesist and music composer.

When you attend to a Shiro Schwarz show, listen to their music or watch one of their videos, you will depart on an extrasensory voyage through space into a mysterious funky universe.

Be careful, as there is light, but also darkness in the Shiro Schwarz Universe.

ALEXIS MATA
Sueñan las Flores que Desaparecen 
solo show
 

Abierto al público 

MAIA CONTEMPORARY

Colima 159, Roma Norte, Mexico City

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Ataviadas con el recuerdo de estar vivas, la belleza de las flores desafía su inminencia. Pero ¿saben ellas que no están vivas? ¿lo sabríamos nosotros? ¿sabemos que ya no estamos?

 

La pandemia, más allá de enfrentarnos con nuestra propia mortalidad, nos está obligando a ver que la nueva normalidad es igual a todas las anteriores: una serie de mentiras y verdades simultáneas que apreciamos porque frente la nada nos proponen continuidad. Y es que en la fantasía siempre hemos encontramos resguardo de la cruda realidad. Tan efectiva ha sido dicha estrategia, que la realidad ha desaparecido por completo de nuestras vidas.

 

La paradoja es que, entre las infinitas posibilidades, nos hemos enfocado en reinventar lo real como ficción. Hemos recreado la existencia, imitado la vida y revivido lo inanimado: desde césped plástico, pasando por deepfakes, y hasta la impresión de órganos o la fabricación de carne. Inclusive, el arte mismo ya no como una representación de la realidad, si no como su reciclaje: una copia perpetua sin origen ni fin, más real que lo real. La hyperrealidad como la base de la simulación (Baudrillard, 1981).

 

Sueñan las flores que desaparecen recorre este mismo trayecto borrando a su paso los limites entre lo virtual y lo palpable, lo ausente y lo presente, lo original y la replica. Es así como a partir de imágenes de naturaleza muerta, esta serie gira en torno a la poética de la desaparición. Protagonizada por las flores que transmutan frente a la promesa de cambio, las piezas ya no solo evidencian la falla y el error tan característicos del artista, si no que se deforman hasta llegar a la abstracción, desapareciendo entre sus formas infinitas.

 

 

Mafer Álvarez

Dressed in the memory of being alive, the beauty of flowers defies their impermanence. But do they know they are not alive? would we know? Do we know we are no more?

 

Beyond confronting us with our own mortality, the pandemic forces us to see that the new normality is identical to all the previous ones: a series of simultaneous lies and truths that we hold dear because they propose continuity in the face of nothingness. And the fact is that in fantasy, we have always found refuge from the harsh reality. Such a strategy has been so effective that reality has completely disappeared from our lives. 

 

In its place, we have reinvented the real as fiction. We have recreated existence, imitated life, and revived the inanimate: from plastic grass to deepfakes, to the printing of organs or the fabrication of flesh. Thus, art itself went from representing reality to recycling it: a perpetual copy without an origin or an end, more real than the real; the hyperreal as the basis of simulacra (Baudrillard, 1981).

 

Sueñan las Flores que desaparecen follows the path above, erasing the limits between the virtual and the palpable, absence and presence, the original and the replica. From still life images, this series revolves around the poetics of disappearance. Featuring the transmutation of flowers facing the promise of change, the pieces no longer only expose flaws and errors so distinctive of the artist’s work but also become deformed to the point of abstraction, disappearing amidst their infinite forms.

 

Mafer Álvarez

PAST

PEDRO FRIEDEBERG
@ FRIEZE LONDON

Spotlight section solo booth 

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13-17 October 2021

The Regent´s Park

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"I cannot conceive that a single person produced all these diverse works" commented Mark Rothko during Pedro Friedeberg´s exhibition in NYC in 1964. The anecdote serves to understand Friedeberg´s versatility. He created his very own syncretism between drawing, painting and illustration, and his artistic objects that can be read from sculpture, ready-made, assembly and design according to the viewer's optics.

 

The topics explored by Friedeberg are broad, erudite, satirical, playful and mathematical. The fusion of dissimilar elements that come from different traditions and historical-aesthetic evolutions is fundamental to understand his work as a result of an open multicultural life, without rigid boundaries of separation by categories or schools. While he is a direct heir to the Surrealism, and also dialogues with the main artistic movements of the 2nd half of the 20th century such as Op Art, Pop Art and Conceptualism, he does not belong to any of these and fuses them in a unique specificity that makes him a sui generis artist.

 

He focuses and retakes ornament as the main element by constantly revisiting the history of the image from the Renaissance to the present day. Pedro Friedeberg is the least known Mexican artistic genius of the 20th century; master of many disciplines created by himself. A radial artist that deserves to be known by the rest of the world. At Frieze London 2021  we will be showcasing a Pedro Friedeberg´s solo booth in the Spotlight section with iconic work from the past century including painting, drawing, sculpture and object.

PAST

SPECULATIVE FUTURES 
Simón Vega + Theo Michael

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THE ARMORY SHOW BOOTH F17

JAVITS CENTER

SEPTEMBER 9-14, 2021

I Love La Marihuana, 2021 Mixed media 70 × 50 cm (1).jpeg

Theo Michael, I Love La Marihuana, 2021 Mixed media 70 × 50 cm, 2021

THEO MICHAEL

Cataclismos Light is an autobiographical series of collage works by Theo Michael in which he attempts to recreate his thought process visually. 

Each work has a naturalistic painting at its center—an insect, a flower, a snake, etc. The image is buried under a cataclysm of labels, stickers, markers, and personal handwritten notes, representing memories spanning a whole life. This seemingly chaotic way of viewing the world, full of clashing images and incoherent narratives, reflects the reality of Michael’s life, which is fragmented between irreconcilable cultures. Thus Michael questions the point of logical and straight thinking, arguing that this has brought all the fire and dust.

 

Through these works, Michael proposes an intuitive way of looking that goes beyond interpretations or even opinions, something that he calls “Conceptual Abstraction” within an art context.
 

Third World Mini Space Modules, 2021 Acrylic on recycled wood, pvc pipes, steel sheet and

Third World Mini Space Modules, 2021 Acrylic on recycled wood, pvc pipes, steel sheet, surfboard foam, varnish 30 × 36 × 16 cm

SIMÓN VEGA

Space Tourism and Space Colonization are the themes of this series. Whereas during the Space Race the objective was scientific, military, and political,  current initiatives for space exploration focus more than ever on the possibility of creating colonies on other planets, and one of the strategies to revitalize the space programs has been to offer the possibility (for billionaires only) to visit space. Some of today’s more prominent programs are no longer state but rather privately funded.

In the artist’s view, the current ways of approaching unknown regions in outer space are similar to those on earth: it’s more about what preconceived ideas and fears we have and about what we bring from our own living space than about exploring what’s out there. 

The archetypical tourist, with his ‘Hawaiian’ shirts, camera, and comfort demands as well as the way he imposes his views and exploits the resources of these new lands is the same on earth as in space. The artist humorously asks us to consider the pretentious and hermetic ways we approach the new and the unknown. 

These sculptural objects have been created using materials found in construction areas and in surfboard repair shops in La Libertad, the coastal area where the artist resides: leftover pieces of PVC drain pipes, galvanized steel sheets, wood, used broken surfboard foam, fiberglass, and resin. With these, the artist has created miniature prototypes for modules for a Third World Space Station. The works are a mixture of local ingenuity and science fiction dreams as well as the conditions that limit and harness the region to earth and to its everyday political and economical limitations.

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LUIS FIGUEROA
solo booth

CLAVO art fair

Casa Versalles 113, Juárez, Mexico City

SEPTEMBER 10-12, 2021

Cuento Óleo sobre lienzo, 90x95 cm 2021.jpg
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