CURRENT
CARTOGRAPHY OF ELSEWHERE
Opening April 10th, 2025
Margaret R. Thompson
catalogue
It is an invitation to embark on a journey into imagined territories - maps of places that don't exist in a traditional sense but are deeply felt, remembered, and dreamed. By exploring the inner landscapes of our unconscious, we delve into the intricate interplay of memory and imagination. Through this journey, we are taken through themes of displacement and belonging as we seek to understand our place in the world.
Along the way, we embrace the mystery and the thrill of exploration, inviting reflection on the unseen dimensions of our experiences. As we navigate this terrain, we find ourselves mapping the unseen—charting dreamscapes, spiritual journeys, and the liminal spaces that exist between reality and the unconscious.
Margaret's creative process is deeply influenced by her connections to place and landscape, most recently the high desert and forests of New Mexico where she lives and works, and the jungles and coastlines of Mexico where she previously lived and returns to annually to study and paint from. These environments inspire her to make art that celebrates the magic of creation and the interconnectedness of all life.
Margaret infuses her oil paints with raw materials of collected earth, sand, and minerals - small amounts she brings home from remote places that feel holy to her. She makes abstract underpaintings by tossing earth, sand, mica, turmeric, chili, plant, and temple oils on her canvases before beginning to add oil paint and recognizable imagery to the work. The process is a transformative ritual where rich textures and scents make the studio into a space of environmental intimacy.
Cartography of Elsewhere invites the viewer to dive into the depths and engage with personal and yet-to-be-written mythologies, stepping into ephemeral moments that resonate beyond the constraints of time. To dive into the deeper water of the unconscious, suggesting depths yet to be explored.
Es una invitación a embarcarse en un viaje hacia territorios imaginarios: mapas de lugares que no existen en el sentido tradicional, pero que se sienten, recuerdan y sueñan profundamente. Al explorar los paisajes interiores de nuestro inconsciente, nos adentramos en la intrincada interacción entre la memoria y la imaginación. En este viaje, somos guiados a través de temas de desplazamiento y pertenencia mientras buscamos comprender nuestro lugar en el mundo.
En el camino, abrazamos el misterio y la emoción de la exploración, invitando a la reflexión sobre las dimensiones invisibles de nuestras experiencias. Al navegar por este terreno, nos encontramos mapeando lo invisible, trazando paisajes oníricos, viajes espirituales y los espacios liminales que existen entre la realidad y el inconsciente.
El proceso creativo de Margaret está profundamente influenciado por sus conexiones con el lugar y el paisaje, más recientemente, del desierto alto y los bosques de Nuevo México, donde vive y trabaja, y las selvas y costas de México, donde vivió y a donde regresa cada año para estudiar y pintar. Estos entornos la inspiran a crear arte que celebra la magia de la creación y la interconexión con la vida.
Margaret impregna sus óleos con materias primas de tierra, arena y minerales, pequeñas cantidades que recolecta de lugares remotos que considera sagrados. Así crea bases abstractas mezclando tierra, arena, mica, cúrcuma, chile, aceites vegetales y de templos sobre sus lienzos antes de comenzar a añadir pintura al óleo e imágenes reconocibles a la obra. El proceso es un ritual transformador donde las texturas y aromas convierten el estudio en un espacio de intimidad con la Naturaleza.
Cartography of Elsewhere invita al espectador a sumergirse en las profundidades y a interactuar con mitologías personales y aún por escribir, adentrándose en momentos efímeros que resuenan más allá de las limitaciones del tiempo. A sumergirse en las aguas más profundas del inconsciente, sugiriendo profundidades aún por explorar.
CURRENT
SERENDIPITY
An Unexpected Group Show
catalogue
Andrea Wan, The Blind Search, 2024, Ink & Watercolor on Paper, 100 × 70 cm
Serendipity brings together a selection of paintings by international artists previously shown at our gallery, now placed in a new, seemingly accidental constellation. Freed from the structure of past exhibitions, these works begin to speak in unexpected ways—through shared symbols, emotional undercurrents, and intuitive resonance.
This is not an exhibition built on a fixed theme but on the logic of the unconscious. Archetypes surface, colors echo, and fragments of myth and collective memory weave between works. As Carl Jung wrote, “In all chaos, there is a cosmos, in all disorder a secret order.”
What begins as chance gradually reveals something more: a metatext of the gallery’s program itself. The threads that have quietly connected our exhibitions over time—shared interests in the symbolic, the psychological, and the mysterious—rise to the surface. The exhibition becomes a space of rediscovery, where the viewer is not only invited to re-encounter the artists but to uncover the deeper narrative that has been unfolding all along.
Serendipity reúne una selección de obra de artistas internacionales, previamente expuestas en nuestra galería, ahora ubicadas en una nueva constelación, aparentemente accidental. Liberadas de la estructura de exposiciones anteriores, estas obras comienzan a hablar de maneras inesperadas: a través de símbolos compartidos, trasfondos emocionales y resonancia intuitiva.
Esta no es una exposición construida sobre un tema fijo, sino sobre la lógica del inconsciente. Arquetipos emergen, colores resuenan y fragmentos de mitos y memoria colectiva se entrelazan entre las obras. Como escribió Carl Jung: «En todo caos, hay un cosmos; en todo desorden, un orden secreto».
Lo que comienza como casualidad revela gradualmente algo más: un metatexto del propio programa de la galería. Los hilos que han conectado silenciosamente nuestras exposiciones a lo largo del tiempo —intereses compartidos en lo simbólico, lo psicológico y lo misterioso— emergen. La exposición se convierte en un espacio de redescubrimiento, donde el espectador no sólo está invitado a reencontrarse con los artistas, sino a descubrir la narrativa más profunda que se ha estado escribiendo a lo largo del tiempo.
CURRENT
OPEN SESAME!
From February 4th till April 6th, 2025
Aaron Glasson , Alexis Mata, Esteban Huacuja, Fusca, Marcos Castro, Suyao Tian, Lauren Clay, Margaret R. Thompson, Putu Wirantawan, Ricky Lee Gordon, Terra Keck, Whitney Lewis Smith
catalogue
catalogue
The expression comes from the story of Ali Baba and the Forty Thieves, in which the protagonist opens a magical door with the words Open Sesame. In the tale, the phrase emerges as a powerful command, a magical spell that grants access to a cave that holds hidden treasures. The saying acts as an incantation that embodies a metaphorical key, symbolizing the unlocking of our boundless potential and encouraging individuals to embrace the unknown.
Magic has intrigued human imagination for centuries, encompassing the mystical practices of ancient civilizations, contemporary fantasy narratives, and even quantum physics findings. In many original cultures, reality is seen as malleable and influenced by intention, belief, and will. Quantum mechanics suggests that reality is not fixed but exists as a field of probabilities influenced by the observer. This fluidity in reality mirrors the magical practices, where focus and intention are key to shaping outcomes.
However, according to Carl Jung, magic starts where human reason reaches its limits. Magic is not about supernatural acts or artifices but about engaging with the dark and mysterious aspects of existence. Magic is the realm where we confront what we do not understand — whether within ourselves or the world around us. That is why the artist, as the magician, embodies the archetype of the quintessential creator. He represents the ability to harness universal forces for creative purposes and confront paradoxes that defy classical logic. By exploring the mysteries of existence and focusing on unseen forces that shape reality, artists bridge the spiritual to the material.
Open Sesame! showcases the work of 12 artists worldwide, each with a unique approach to exploring magic through art. Their diverse practices encompass approaches such as connecting to Nature through rituals and materials, lucid dreaming, automatic drawing, meditation, active imagination, entheogenic journeys, transpersonal inspirations, and even exchanges with AI, pushing the boundaries of exploration of the collective unconscious mind.
La expresión proviene de la historia de Alí Babá y los cuarenta ladrones, en la que el protagonista abre una puerta mágica con las palabras ¡Ábrete Sésamo! En el cuento, la frase surge como una orden poderosa similar a un hechizo mágico que otorga acceso a una cueva que contiene tesoros ocultos. Una llave metafórica, que simboliza el desbloqueo de nuestro potencial ilimitado, alentándonos a abrazar lo desconocido.
La magia ha intrigado a la humanidad durante siglos, comprendiendo las prácticas místicas de las civilizaciones antiguas, las narrativas fantásticas contemporáneas e incluso los hallazgos de la física cuántica. En diversas tradiciones ancestrales, la realidad se considera maleable e influenciada por la intención, la creencia y la voluntad. La física cuántica contemporánea sugiere que la realidad no es fija, sino que existe como un campo de probabilidades influenciada por el observador. Esta fluidez en la realidad refleja las prácticas mágicas, donde el enfoque y la intención son clave para dar forma a los resultados.
Para Carl Jung, la magia comienza donde la razón humana alcanza sus límites. La Magia no se trata de actos sobrenaturales o trucos, sino de interactuar con los aspectos oscuros y misteriosos de la existencia. La magia es el ámbito en el que nos enfrentamos a lo que no entendemos, ya sea dentro de nosotros mismos o del mundo que nos rodea. El artista, como el mago, encarna el arquetipo del creador por excelencia, representa la capacidad de aprovechar las fuerzas universales con fines creativos y enfrentar paradojas que desafían la lógica clásica. Al explorar los misterios de la existencia y centrarse en las fuerzas invisibles que dan forma a la realidad, los artistas son el puente entre lo espiritual y lo material.
Open Sesame! muestra la obra de 12 artistas internacionales, cada uno con un enfoque único para explorar la magia a través del arte. Sus diversas prácticas abarcan enfoques como la conexión con la Naturaleza a través de rituales y materiales, sueños lúcidos, dibujo automático, meditación, imaginación activa, viajes enteogénicos, inspiración transpersonal, e incluso intercambios con inteligencia artificial. A través de su práctica buscan ampliar los límites de la exploración del inconsciente colectivo.
ZONA MACO 2025
Booth D113
From February 5th till 9th, 2025
@ Centro Citibanamex, Ciudad de México
Margaret R. Thompson + Aaron Glasson
For Zona Maco 2025, MAIA Contemporary presents a dual presentation featuring the innovative works of New Zealand artist Aaron Glasson and North American artist Margaret R. Thompson. Both artists utilize earth-derived materials to investigate crucial themes surrounding the interconnectedness of humanity and the natural world, emphasizing ecological reverence and the often-invisible frameworks that shape our perceptions of reality. This exhibition will highlight their latest creations across various mediums, including painting, ceramics, and sculpture. Through their distinct artistic lenses, the exhibition seeks to articulate a cohesive reflection on the interplay of feminine and masculine energies intrinsic to our existence, exploring contrasts such as inward versus outward perspectives and internal versus external themes, fostering a meaningful dialogue within contemporary art and environmental discourse.
Para Zona Maco 2025, MAIA Contemporary presenta un booth dual que incluye las obras del artista neozelandés Aaron Glasson y la artista norteamericana Margaret R. Thompson. Ambos artistas utilizan materiales derivados de la tierra para investigar temas cruciales en torno a la interconexión de la humanidad y la Naturaleza, enfatizando la reverencia ecológica y las estructuras invisibles que dan forma a nuestras percepciones de la realidad. A través de sus distintas lentes artísticas, la presentación busca articular una reflexión cohesiva sobre la interacción de las energías femeninas y masculinas intrínsecas a nuestra existencia, explorando contrastes como perspectivas internas versus externas y temas internos versus externos, proponiendo un diálogo dentro del arte contemporáneo y el discurso ambiental.
PAST
Invisible Structures
Putu Wirantawan
From December 6th till January 29th, 2025
catalogue
In Mahayana Buddhist texts, a concept known as Indra's net represents a vast and intricate cosmic web. At each intersection of this net, there is a jewel or a drop of water that infinitely reflects all the other jewels or drops. This imagery reinforces the notion that every part contains the whole, and the whole is mirrored in every part.
This multidimensional principle is present in Putu Wirantawan's work. At first glance and from afar, his works seem to suggest mandala layouts that illustrate the symmetry of opposites in the universe. However, after closer inspection, the drawings reveal a more complex configuration between order and chaos and geometrically and organically colored forms. At an even closer look, we discover minuscule formations that make us believe we are looking through a microscope. The holistic quality in his work invites the viewer to understand the profound interconnectedness of everything in the universe, emphasizing that our individual actions and existences create ripples across the cosmos, ultimately revealing the unity of all things within an invisible structure.
Putu Wirantawan's artwork delves deeply into these invisible structures, finding inspiration in the essential qualities of the natural elements: air, water, fire, earth, and aether. These elemental attributes represent the components of Nature and existence, seen as symbolic, metaphysical, or physical forces shaping the universe. His multilayered drawings, carefully crafted with colored pencil and graphite, illuminate the cosmic connections that permeate various levels of existence. From the microcosm of biological and molecular elements, which encompasses the human body and all living organisms, to the macrocosm, which contains universal forces and celestial bodies, Wirantawan captures it all.
His visions express Plato's concept of the world soul, indicating that the cosmos is alive and intricately connected. Through his art, he visually embodies this concept with an animating principle that infuses the universe with life, intelligence, and purpose.
By exploring these invisible structures and the interconnectedness of all things, Wirantawan's art circles the journey of consciousness as it seeks harmony among humans, Nature, and oneself.
En los textos budistas Mahayana, un concepto conocido como la red de Indra representa una vasta e intrincada red cósmica. En cada intersección de esta red, hay una joya o una gota de agua que refleja infinitamente todas las demás joyas o gotas. Esta imagen ilustra la noción de que cada parte contiene el todo, y el todo se refleja en cada parte.
Este principio multidimensional está presente en la obra de Putu Wirantawan. A primera vista y desde lejos, sus obras parecen sugerir diseños de mandalas que ilustran la simetría de los opuestos en el universo; sin embargo, después de una inspección más cercana, los dibujos revelan una configuración más compleja entre el orden y el caos entre formas geométricas y orgánicas en color. Al mirar aún más de cerca, descubrimos formaciones minúsculas que nos hacen pensar que estamos mirando a través de un microscopio. Esta cualidad holística de la obra invita al espectador a comprender la profunda interconexión de todo lo que existe en el universo, enfatizando que nuestras acciones individuales crean repercusiones en el cosmos, revelando la unidad de todas las cosas dentro de una estructura invisible.
La obra de Putu Wirantawan profundiza en estas estructuras invisibles, encontrando inspiración en las cualidades esenciales de los elementos naturales: aire, agua, fuego, tierra y éter. Estos atributos elementales representan los componentes de la Naturaleza y la existencia, vistos como fuerzas simbólicas, metafísicas o físicas que dan forma al universo. Sus dibujos de múltiples capas, cuidadosamente elaborados con lápiz de color y grafito, iluminan las conexiones cósmicas que impregnan varios niveles de existencia. Desde el microcosmos de elementos biológicos y moleculares, que abarca el cuerpo humano y todos los organismos vivos, hasta el macrocosmos, que contiene fuerzas universales y cuerpos celestes, Wirantawan lo captura todo.
Sus visiones expresan el concepto platónico del alma del mundo, expresando que el cosmos está vivo e intrincadamente conectado. Las obras encarnan visualmente este concepto con un principio animador que infunde vida, inteligencia y propósito al universo.
Al explorar estas estructuras invisibles y la interconexión de todas las cosas, el arte de Wirantawan recorre el viaje de la conciencia en busca de la armonía entre los seres humanos, la naturaleza y uno mismo.
PAST
Quintessence
From October 11th to December 1st, 2024
catalogue
Amanda Bueno
Andrea Wan
Anna Ortiz
Cha Yuree
Fusca
Jen Hitchings
Margareth R Thompson
Marigold Santos
Meredith Dittmar
Monika Marchewka
Paula Duró
Suyao Tian
Tae Lee
Terra Keck
Violeta Hernández
Whitney Lewis Smith
"We need acts of restoration, not only for polluted waters and degraded lands but also for our relationship to the world. We need to restore honor to the way we live, so that when we walk through the world we don't have to avert our eyes with shame, so that we can hold our heads up high and receive the respectful acknowledgment of the rest of the earth's beings."
― Robin Wall Kimmerer
Alchemy's ultimate goal has been to extract the purest, most fundamental substance in Nature, one that combines the soul (oil), spirit (alcohol), and body (salt) from any living creature into a quintessence. An uncorrupted substance that holds all the characteristics that distinguish any being—animal, mineral, or plant—from others: its color, scent, texture, and distinctive personality, symbolizing the true essence of all living things.
The quintessence also symbolizes the fusion of material and spiritual realities, reflecting the hermetic's belief in the possibility of spiritual transformation through the refinement of the self and the material world and the interconnectedness of all things. By discovering this connection, we would reconcile with Nature in correspondence with our own essential Nature.
Quintessence is a group show that reveals the findings of a group of female and non-binary artists regarding the search for this quintessence. Through painting, sculpture, and photography, they've been inspired by the magic and mystery between humans and Nature, seeking to create art that helps restore our broken connection.
El objetivo principal de la alquimia ha sido extraer la sustancia más pura y fundamental de la Naturaleza, aquella que combina el alma (aceite), el espíritu (alcohol) y el cuerpo (sal) de cualquier criatura viviente en una quintaesencia. Una sustancia incorrupta que contiene todas las características que distinguen al ser -animal, mineral o planta-, del que fueron obtenidos exaltando su color, olor, textura; su personalidad única. Simbolizando la verdadera esencia de los seres vivos.
La quintaesencia simboliza también la fusión de la realidad material y espiritual, basada en la creencia hermética de la interconexión de todas las cosas y de la transformación espiritual a través del refinamiento del ser y del mundo material.
Al descubrir esta conexión, los seres humanos reconoceríamos que somos parte del todo y nos reconciliaríamos con la Naturaleza, en correspondencia con nuestra propia naturaleza interna.
Quintessence es una exposición colectiva que revela los hallazgos de un grupo de 16 artistas enbúsqueda de esta naturaleza esencial. A través de la pintura, la escultura y la fotografía, estos artistas se han inspirado en la magia y el misterio entre los humanos y la Naturaleza, buscando crear arte que ayude a restaurar nuestra conexión rota.
PAST
Inside the Double World
Aaron Glasson
Inner and Outer Landscapes
From August 23th till September 22th, 2024
catalogue
MAIA Contemporary presenta Inside the Double World, una exposición de pintura, escultura y dibujo del artista neozelandés Aaron Glasson. Este nuevo conjunto de obra comenzó en una pequeña cabaña en el desierto de Mojave en California y se culminó en la Ciudad de México. Glasson considera que esta serie de observaciones está basada en la interacción entre su paisaje exterior e interior. La obra es simultáneamente documentación, naturismo y auto indagación. Una exploración de lo visible y lo invisible.
El título está tomado de un verso de los "Sonetos a Orfeo" de Rainer Maria Rilke, donde el poeta se refiere al umbral entre lo conocido y lo desconocido. Rilke llama a este lugar el "Reino Dual" o el "Mundo Doble". Es la invitación a ir más allá de la superficie, un lugar de ajuste de cuentas y transformación. Un preciado punto de observación donde podemos ver a nuestro yo conocido y lo que se esconde más allá. Un lugar donde la
comprensión y la incertidumbre se encuentran. Ambos son necesarios, pero ninguno está por encima del escrutinio
o la curiosidad. A veces, puede ser un lugar incómodo, una apertura que nos pide ser permeables al mundo, permitiendo que una tercera vía emerja de las profundidades. Es el lugar al que se refirió William Blake un siglo antes que Rilke cuando dijo: "En el universo, hay cosas que se conocen y cosas que se desconocen, y en el medio, hay puertas".
Basada en la geometría, como la estructura de la vida misma, la obra de Glasson es un guiño a este orden visible e invisible que es la base de nuestro mundo, el reino dual de nuestro propio umbral interno. Las pinturas comenzaron como pequeños bocetos en gouache sobre papel que después pasaron al lienzo. Las texturas se fueron aplicando, utilizando pigmentos naturales seguidos de capa tras capa de pintura al óleo, arena y cera de
abeja, construyendo imágenes estratificadas fangosas pero luminosas. El proceso de pintura y superposición es un esfuerzo constante por lograr la armonía en lo ambiguo e imperfecto. Las esculturas hacen referencia a espacios de adoración física, representados en una estructura de torre y una banca. Fragmentos del mundo natural, como rocas, conchas, fósiles y otros objetos encontrados, se descubren enmarcados en ventanas como una forma de reverencia debajo de un sol de bronce que reposa sobre una torre. La contemplación honesta es un bálsamo, y la torre y la banca permiten al espectador sentarse con la belleza inherente y la importancia de las cosas que con demasiada frecuencia se dan por hecho. Estos objetos proponen reemplazar símbolos monoteístas de adoración,
sugiriendo que nos ayudaría tratar a los elementos naturales como las verdaderas deidades... las que más merecen nuestro respeto.
En el centro de la exposición de Glasson está el impulso de examinar nuestra relación fragmentada con el mundo.
Su trabajo coloca al espectador dentro de una montaña hueca, una caverna, el núcleo agitado de una sopa molecular primordial que existe entre el sol poniente y la luna naciente. Las pinturas y esculturas están hechas de formas separadas y conectadas, casi simétricas, y algo que no necesariamente se ve, pero que se siente. En medio de un color profundo y turbio, vemos el simbolismo repetido de ventanas y puertas radiantes: rupturas que ofrecen oportunidades tanto para la perspectiva (ventana) como para el descubrimiento (puerta). A través de estas
aperturas, el artista espera que veamos que el desorden que nos rodea refleja el desorden que hay dentro de nosotros. Es necesaria una intensa reparación interior si nos orientamos hacia la restauración exterior. Glasson nos invita a situarnos en el umbral donde todas las cosas cambian y se fusionan, dentro del mundo doble.
MAIA Contemporary presents “Inside the Double World” an exhibition of paintings, sculpture and studies by New Zealand born artist Aaron Glasson. This new body of work started in a small cabin in California’s Mojave desert and was finished in Mexico City. Glasson considers this series observations informed by his outer and inner landscape.The Work is simultaneously documentation, naturism and self inquiry. An exploration into the seen and unseen.
The title is borrowed from a verse in Rainer Maria Rilke’s “Sonnets to Orpheus” where the poet refers to the threshold between the known and unknown. Rilke calls this place the “Dual Realm,” or the “Double World.” It’s the invitation to go beyond the surface, a place for reckoning and transformation. A precious vantage point where we see our familiar selves and an enigmatic underworld. A place where understanding and uncertainty meet. We know that both are necessary, but neither is above scrutiny or curiosity. This at times, can be an uncomfortable place, an
opening that asks one to be porous to the world allowing a third way to emerge from the depths. It's the place William Blake referred to a century before Rilke when he said “In the universe, there are things that are known, and things that are unknown, and in between, there are doors.”
Based in geometry, like the structure of life itself, Glasson’s work is a nod to this visible and invisible structure that is the foundation of our world. This dual realm of our own relative in-between. The paintings usually begin as small gouache sketches on paper then move to the canvas. Textures are applied using natural pigments followed by layer upon layer of oil paint, sand and beeswax, building up muddy yet luminous stratified images.
The process of painting and layering is a constant striving towards harmony in the ambiguous and imperfect. The sculptures lend reference to spaces of physical worship, represented in a tower structure and a pew. Fragments of the natural world such as rocks, shells, fossils and other found objects sit framed in windows as a form of reverence, sitting below a bronze sun that rests atop the tower. Honest contemplation is a salve and the tower and pew give the viewer a moment to sit with the inherent beauty and importance of things that are too often taken for granted. These objects replace our monotheistic symbols of worship, suggesting that it would serve us to treat the fundamental elements of our environment as the true deities…the most deserving of our respect.
At the core of Glasson’s exhibition is the pull to examine our fragmented relationship to the world. His work places
the viewer inside a hollow mountain, a cavern, the churning core of a primordial molecular soup that all exists between the setting sun and the rising moon.The paintings and sculptures are made of forms both separate and connected, almost symmetries, and something not necessarily seen but more-so felt. Amid deep murky color we see the repeated symbolism of bright windows and doors: ruptures that hold opportunity for both perspective
(window) and discovery (door). Through these openings he hopes we see that the mess around us is a reflection of the mess within us. A need for staggering inner repair is called for if we are going to orientate towards outer restoration. Glasson invites us to stand here at the threshold where all things shift and merge, inside the double world.
PAST
A Midnight Cascade
Ricky Lee Gordon
An Exhibition of Natural Pigment Paintings
From May 10th till July 29th, 2024
catalogue
A Midnight Cascade
An investigation of materiality and harmony through painting as a practice.
A process whereby information and knowledge is successively passed on as each
work informs the next.
Action to reaction, cause and condition, everything is interconnected.
From the sky to the mountain, the river flows to the sea and back up to the heavens.
The sun falls to the horizon.
A midnight cascade.
The sun rises.
Earth, wind, fire and water held by the stars.
Tending to a garden of this natural world.
PAST
Quemando la Casa
MARCOS CASTRO
From February 6th till April 29th, 2024
catalogue
La pintura es esencial dentro de la obra de Marcos Castro, sus líneas gestuales y colores intensos no buscan imitar la vida sino expresar un simbolismo trascendental cargado de emoción, retratando la fuerza de la Naturaleza y su relación con la naturaleza humana.
En Quemando la Casa, Castro emplea el elemento fuego como protagonista silencioso, a través de escenas donde el espectador tiene el punto de vista de estar dentro de una casa en llamas, mientras mira a través de ventanas que muestran una realidad externa de escenas vibrantes de la Naturaleza; plantas exuberantes, ríos y animales salvajes se han apoderado de lo que parece una civilización abandonada.
Al expresar este acto de destrucción, establece un nuevo ciclo de renovación. La regeneración es vista como un proceso de purificación, donde el fuego transforma todo lo que encuentra. Es la fuerza arquetípica de la transmutación.
Para Carl Jung, la casa simboliza nuestra psique, una manifestación del alma. El hogar es uno de los símbolos colectivos más primarios, nuestro refugio, el límite entre el mundo y yo. De esta manera, quemar la casa no es sólo un acto de renovación/transformación sino también el momento de derribar la frontera entre yo y la Naturaleza, interior y exterior.
La exposición propone una especie de puesta en escena alegórica, que incorpora objetos pictóricos bidimensionales en un entorno tridimensional, construyendo un entorno inmersivo que nos recuerda que somos parte de la realidad, no solo actores de una existencia determinista, sino co-creadores activos.
Las imágenes de Castro, surrealistas en su extrañeza e intensidad, buscan iniciar una conversación sobre la crisis ecológica y existencial de la humanidad.
Daniella Rangel
The act of painting is essential to Marcos Castro's creative expression -even though he works across various media- his high-pitched color images don't seek to imitate life but to express a transcendental symbolism charged with emotion, portraying the force of Nature and its relationship with human nature.
For "Quemando la Casa" (Burning Down the House), Castro employs the element of fire as the silent protagonist in scenes where the spectator has the viewpoint of being inside a house burning down while looking through windows that show an external reality of vibrant scenes of Nature. In a gestural tone, exuberant plants, rivers, and wild animals take over what looks like an abandoned civilization.
By expressing this act of destruction, he sets a renewal cycle. The regeneration is seen as a purification process where fire transforms everything it encounters; it's the archetypal force of transmutation.
For Carl Jung, the House symbolizes our psyche, a manifestation of the soul. Our homes are amongst the most primal of our collective symbols, our shelter, the limit between me and "the world." In this way, burning the house down is not just an act of renewal/transformation but also the moment of tearing down the border between "I" and Nature, inner and outer.
The exhibition proposes a sort of allegorical staging that incorporates bidimensional painting objects in a tridimensional setting, assembling an immersive environment that recalls that we are part of reality, not just actors in a deterministic existence but active co-creators.
Castro's imagery, surrealist in its strangeness and intensity, seeks to start a conversation about humanity's ecological and existential crisis.
Daniella Rangel
“Antes de que nos despierten" de Alexis Mata, surge como un cuerpo de obra intimo a través de una práctica basada en la contemplación diaria y la documentación meticulosa de sus sueños, ya sean plasmados en textos o en forma de bocetos.
A partir de estos apuntes Alexis alimenta a la inteligencia artificial, explicándole textualmente las imágenes que ha soñado a veces en forma de haikus o poemas; otras, con palabras aisladas, auto-referenciales y acotadas. Al procesar estos datos, la inteligencia artificial devuelve traducciones en imágenes. Estas imágenes, a su vez, sirven de referencia para la creación de las pinturas, como una manera de dar coherencia al mundo onírico subconsciente generando y regenerando perpetuamente los escenarios imaginados.
Los paisajes resultantes se aproximan metafóricamente a los fallos de la mente cuando uno se esfuerza por recordar los sueños: un juego de distorsión, el titubeo de la memoria y la desconcertante sensación de desvanecimiento o pérdida de fragmentos de información. Todo esto se expresa pictóricamente en pinceladas de color barridas, los “glitches” característicos de la obra de Alexis y las vistas distorsionadas, meticulosamente plasmadas en los lienzos.
Cierta melancolía y éxtasis coexisten en las representaciones que el artista hace de sus realidades interiores, en contraste con la realidad "exterior", más bien factual y carente de emoción. Al examinar la evolución del sentimiento y la percepción, Alexis se adentra en dimensiones superpuestas y construye puentes a la realidadpor medio de su obra.
Cuando uno intenta recordar un sueño, explora en los archivos de la memoria que lo albergan. Igualmente, al elaborar los sueños la psique indaga en numerosos registros, conscientes e inconscientes, que almacenan lo que uno ha visto, oído, tocado, olido, saboreado, percibido, sentido, pensado. Y establece conexiones. En el sueño se enlazan elementos aparentemente dispares, generando nuevas realidades absurdas a juicio de los mecanismos racionales de la mente vigilante. Del mismo modo, la inteligencia artificial, alimentada por la aportación humana, escanea los vastos archivos de información digital colectiva creando asociaciones, a veces inconexas, para generar una respuesta.
Alexis Mata aborda el complejo y poco explícito fenómeno situado entre lo humano y lo digital. Aquí nos enfrentamos a espectros, a ensoñaciones íntimas, al acto de adentrarse en la propia oscuridad, de abrirse paso a través de las sombras interiores hacia la luz, -a pesar de ocasionales fracasos-, de cruzar a veces umbrales metafísicos y metafóricos. Sus obras dedican una meticulosa atención a los colores, estableciendo un intrincado diálogo tanto con la psicofísica como con el simbolismo del Sol. Estas obras sirven como traducciones, moviéndose con fluidez entre la realidad física y la simulación digital y, a la inversa, traduciendo el subconsciente individual -un reino del que los sueños extraen materia prima- a la conciencia colectiva virtual, la fuente de la que se nutre la IA para formular respuestas.
Daniella Rangel
"Before They Wake Us Up" by Alexis Mata, emerges as an intimate body of work through a practice based on daily contemplation and meticulous documentation of his dreams, whether captured in texts or sketches.
From these notes, Alexis feeds the artificial intelligence, explaining textually the images he has seen and the moments he has lived in dreams, sometimes in the form of haikus or poems, others with isolated, self-referential, and limited words. By processing this suggestive data, the artificial intelligence returns translations in images. These images, in turn, serve as a reference for the creation of the paintings, as a way of giving coherence to the subconscious dream world by perpetually generating and regenerating the imagined scenarios.
The resulting landscapes metaphorically approximate the failures of the mind when one strives to remember dreams: a game of distortion, the hesitation of the memory, and the disconcerting sensation of fading or losing fragments of information. This is expressed pictorially in swept brushstrokes of color, the "glitches" characteristic of Alexis' work, and the distorted views meticulously captured on the canvases.
A certain melancholy and ecstasy coexist in the artist's representations of his inner realities, in contrast to the "external" reality, which is factual and lacking emotion. The artist delves into interconnected dimensions and bridges to reality through his work by examining the evolution of feeling and perception.
When one tries to remember a dream, one explores the memory archives that house it. Likewise, when forming dreams, the pyque investigates numerous conscious and unconscious registers that store what one has seen, heard, touched, smelled, tasted, perceived, felt, and thought. And it makes connections. The dream links disparate elements, generating absurd realities in the judgment of the rational mechanisms of the vigilant mind. Likewise, artificial intelligence, fueled by human input, scans vast archives of collective digital information, creating associations, sometimes unconnected, to generate a response.
Alexis Mata addresses the complex and inexplicable phenomenon between humans and the digital. Here, we face specters and intimate daydreams, entering our own darkness and making our way through the inner shadows towards the light -despite occasional failures, sometimes crossing metaphysical and metaphorical thresholds. His works devote meticulous attention to colors, establishing an intricate dialogue with psychophysics and the sun's symbolism. These works serve as translations, moving fluidly between physical reality and digital simulation and, conversely, translating the individual subconscious - a realm from which dreams draw raw material - into the virtual collective consciousness, the source from which nurtures AI to formulate responses.
PAST
TREMOR
group show
catalogue
Alexis Mata, Sabino Guisu, Cisco Jiménez, Marcos Castro, Taeko Nomiya, Ricky Lee Gordon, Enrique Barquet, Meredith Dittmar, Putu Wirantawan, Antonio Vidal
From August 10th till October 15th, 2023
Diez artistas contemporáneos integran esta exposición que explora la relación consciente- inconsciente / interior-exterior / hombre-naturaleza teniendo al volcán como una epifanía manifiesta del inconsciente colectivo. Inspirados por la paradoja entre su belleza apacible y su destrucción aterradora.
Desde la perspectiva Junguiana, el símbolo del volcán y su relación con el inconsciente se explica en el mito griego del monstruo Tifón que es arrojado por Zeus al fondo del monte Etna. En el fondo del volcán yace el arquetipo de la sombra; los impulsos y debilidades que son reprimidos. Tifón - el estado primitivo-, es literalmente sumergido bajo tierra. El volcán es ese estado liminal entre lo formal y lo sin forma; el inconsciente no surge hasta que la acumulación de materia y la presión es excesiva.
"El trueno ya no es la voz de un dios, ni el rayo es su misil vengador. Ningún río contiene un espíritu, ningún árbol significa la vida de un hombre, ninguna serpiente es la encarnación de la sabiduría, y ningún volcán alberga ya a un gran demonio. La comunicación directa con la naturaleza se ha ido para siempre, y la energía emocional que generó se ha hundido en el inconsciente." C.G. Jung
Así es como Jung presentaba el principal problema de la humanidad. El cordón umbilical que una vez existió entre los humanos y la Naturaleza ha sido cortado por el progreso y la ciencia, y lo que una vez fue parte de la comprensión "natural" ha sido relegado a la mente inconsciente. Un reino oculto que tememos explorar, sabiendo que, si desenterramos lo que ha sido reprimido, cambiaríamos nuestra visión del mundo por completo.
Si tal como es adentro es afuera. ¿Por qué somos un volcán activo?
Ten visual artists are part of this exhibition that explores the conscious-unconscious / interior-exterior / man-nature relationship with the volcano as a manifest epiphany of the collective unconscious. Inspired by the paradox between its peaceful beauty and its terrifying destruction.
From the Jungian perspective, the symbol of the volcano and its relationship with the unconscious is explained in the Greek myth of the Typhoon monster thrown by Zeus to the bottom of Mount Etna. At the bottom of the volcano lies the archetype of the shadow, the repressed impulses and weaknesses. Typhoon - the primitive state - is literally submerged underground. The volcano is that liminal state between the form and the formless; the shadow does not arise until the accumulation of matter and the pressure is excessive.
"Thunder is no longer the voice of a god, nor is lightning his avenging missile. No river contains a spirit, no tree means a man's life, no snake embodies wisdom, and no volcano harbors a great demon. His immediate communication with Nature is gone forever, and the emotional energy it generated has sunk into the unconscious." -C.G. Jung
This is how Jung presented the main trouble with humankind. Progress and science have severed the umbilical cord between humans and the natural world, and that which was once part of the "natural" understanding has been relegated to the unconscious mind. A hidden realm that we fear to explore, knowing that if we unearthed what has been suppressed, we would change our view of the world altogether.
If As above, so below. Why are we an active volcano?
PAST
DE LA DUALIDAD A LA UNIDAD
Mario Arroyave
From May 19th 2022 till July 8th, 2023
online catalogue
Hay algunas preguntas fundamentales que han acompañado a la humanidad desde el principio de nuestra historia y que han sido el punto de partida de la filosofía, la ciencia y el arte, nuestros esfuerzos más ambiciosos por comprender los mecanismos que gobiernan nuestra vida. Durante la mayor parte de esa búsqueda ha quedado claro que el universo se rige por simetrías ocultas, pero latentes. Hay un orden que no nos es evidente, pero que sí es perceptible.
Ese orden está relacionado con la simetría suprema que existía en el universo antes del Big Bang, cuando las cuatro interacciones fundamentales de la física eran una sola, algo que los científicos buscan transcribir en lo que se conoce como la “Ecuación de Dios”.
Las líneas y formas que vemos en las piezas de esta exposición son un alfabeto visual que Mario Arroyave recibió en sus meditaciones durante el último año para luego descubir que este alfabeto correspondía con las gráficas científicas de las ondas gravitacionales, las partículas elementales, los agujeros de gusano y las cuerdas que componen el universo. Las obras de esta exposición son una bitácora personal del artista que da testimonio de la búsqueda milenaria de la humanidad para descifrar las interacciones del universo. La búsqueda de la conexión con el todo. La búsqueda de la unidad.
There are fundamental questions that have accompanied humanity since the outset of our history. Questions that gave rise to philosophy, science and art, our most ambitious efforts to understand the mechanisms that rule our lives. During most of that quest it has been clear that the universe is governed by hidden but latent symmetries. There is an order that is not evident to us, but that is indeed perceptible.
This order is related to the supreme symmetry that existed in the universe before the Big Bang, when the four fundamental interactions of physics were one, something that scientists seek to transcribe in what is known as "The God Equation."
The lines and shapes that we see in the pieces of this exhibition are a visual alphabet that Mario Arroyave received in his meditations of the past year and later discovered that this alphabet mirrors the scientific portrayals of gravitational waves, elementary particles, wormholes and the strings that make up the universe. The works in this exhibition are a personal journal of the artist that recounts our collective quest to decipher the interactions of the universe. The search for the connection with the whole. The search for unity.
PAST
HIPNEROTOMAGIA
Pedro Friedeberg
From February 8th 2022 till March 19th, 2023
online catalogue
Hipnerotomagia, Pedro Friedeberg´s solo show, presents his new series of paintings and sculptures inspired by one of his favorite books from the XV century, Hypnerotomachia Poliphili, a bizarre, erotic, allegorical tale by Francesco Colonna. Once called by Carl Jung the first stream-of-consciousness novel, an oneiric story with obsessive details on architecture, landscape, and costume.
In the same spirit, like a bucolic-classical dreamland in search of love, Friedeberg´s latest works are elaborately descriptive and unsparing in their use of visual superlatives. Making frequent references to classical geography, mythology, and aesthetics.
Opening during Mexico City´s art week, Pedro Friedeberg´s solo show Hipnerotomagia will take the viewer on a psychedelic surrealist visual ride.
Hipnerotomagia, exposición individual de Pedro Friedeberg, presenta su nueva serie de pinturas y esculturas inspiradas en uno de sus libros favoritos del siglo XV, Hypnerotomachia Poliphili, una historia bizarra, erótica y alegórica de Francesco Colonna. Alguna vez llamada por Carl Jung, la primera novela de la corriente de la conciencia.
Historia onírica con detalles obsesivos sobre la arquitectura, el paisaje y el vestuario. Con el mismo espíritu, como un país de ensueño bucólico-clásico en busca de amor, las últimas obras de Friedeberg son elaboradamente descriptivas y despiadadas en el uso de superlativos visuales. Haciendo frecuentes referencias a la geografía clásica, la mitología y la estética.
Inaugurando durante la semana del arte de la Ciudad de México, la exposición individual Hipnerotomagia de Pedro Friedeberg llevará al espectador a una travesía surrealista.
La obra de Paula Duró amalgama lo mismo elementos psicodélicos que folclóricos, creando alegorías inspiradas por el mundo onírico, la magia, las prácticas chamánicas y la relación del ser humano con la Naturaleza.
Su cosmovisión única mezcla elementos del Antiguo Egipto con tradiciones indígenas de Sudamérica, guiando a los observadores en un viaje iniciático a través de la sabiduría atemporal de las tradiciones originarias. Sus escenas son representaciones de espacios etéricos en los que fuerzas multidimensionales interactúan con seres arquetípicos en acciones que expresan el movimiento de las energías universales.
Describiéndose a sí misma como una pintora de luz y sombra, el trabajo de la artista argentina explora el plano espiritual, las fuerzas de luz y oscuridad que lo habitan, y cómo los seres humanos podemos integrar tales fuerzas y vivir en armonía con ellas. Su arte nos anima a redescubrir el sentido sagrado de unidad que tenemos con el universo y reconocer nuestro papel y conexión con él.
A través de su visión artística, Duró nos invita a dar forma al mundo con nuestros sueños, participando activamente en la creación, para dejar de estar condenados a vivir en un mundo imaginado por otros. Al unir el mundo físico con el invisible, el arte de Paula nos recuerda la belleza y la magia del planeta que habitamos y del que podemos ser parte.
El Libro de los Cielos es su más reciente serie de pinturas inspiradas por un diálogo con los escribas celestiales, los guardianes de la fuente de la que emergen las mil formas. Para Paula esta serie es una ofrenda al espíritu, un puente que le permite dialogar con el colectivo dejando de lado la mente a través del corazón.
Paula Duró's work amalgamates psychedelic and folkloric elements, creating allegories inspired by the dream world, magic, shamanic practices, and the relationship between human beings and Nature.
Her unique worldview mixes elements of Ancient Egypt with indigenous traditions from South America, guiding viewers on an initiatory journey through the timeless wisdom of the original traditions. Her scenes represent etheric spaces in which multidimensional forces interact with archetypal beings in actions that express the movement of universal energies.
Describing herself as a painter of light and shadow, Duró's work explores the spiritual plane, the forces of light and darkness that inhabit it, and how humans can integrate such forces and live in harmony with them. Her art encourages us to rediscover our sacred sense of oneness with the universe and acknowledge our role and connection to it.
Through her artistic vision, she invites us to shape the world with our dreams, actively participate in creation, and stop being condemned to live in a world that others imagine. By bridging the physical world with the invisible, Paula's art reminds us of the beauty and magic of the planet we inhabit and can be a part of.
El Libro de los Sueños (The Book of Heavens) is her most recent series of paintings inspired by a dialogue with the heavenly scribes, the guardians of the source from which a thousand forms emerge. For Paula, this series is an offering to the spirit. A bridge that allows her to dialogue with the collective, leaving aside the mind through the heart.
AT MIAMI BEACH
COCIJO, God of Thunder
Sabino Guisu
till December 3th, 2022
online catalogue
Where have all the gods fled?
This is one of the great questions of modernity. The gods, animals, plants, traditions, hundreds of languages , and human perspectives have also fled.
Don't we feel a kind of orphan of all things in the present? What has been the alternative followed by Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? His work can be considered a continuous reflection between the sacred and the profane: how worldliness and religious sentiment coexist in today's life. Is it possible to reconcile both views? Art allows Sabino to guide his thoughts and show the ambiguity between modernity and the ancient past. This is how he works from the paradox, creating artifacts and objects of strange beauty, which question us if we have really lost the great myths that constitute our civilization.
Referring to the pop culture of Art-Toys, Sabino Guisu illustrates what the symbolic figure of Cocijo would be like in the parallel universe of modernity. The work of the Oaxacan creator has been to search for those pieces buried in consciousness, fragments that beat with a primordial fire. And give them a new meaning.
Sabino Guisu visited the Kimbell Art Museum in Texas a few years ago. Among the collection is a funerary urn of the god Cocijo, the deity of rain and lightning among the ancient Zapotecs. The artist thought about making said figure return to its place, to Oaxaca. Impossible to remove it or ask the museum for its return. So he better decided to rewrite the history of Cocijo and make it return symbolically to our days.
The materials used, conglomerate, metal, resins, acrylics, are all profane elements, materials from the industrial age. The colors, already electric, give a strange veneer of modernity, which seems to collide with the timeless deity. Where did the sacred images go? Where do all the symbols, the rituals, the cracks from which the sacred emanates flow? Is it still possible to talk about mythology? It's possible.
Where have all the gods fled? They are still here, and perhaps you just have to look deep enough to realize that reality is inhabited by enigmatic energy.
Guillermo Santos
PAST
NIGHT BIRDS Yohualtotomeh
group show
From October 7th till November 20th, 2022
online catalogue
AEC Interesni Kazki / Alexis Mata / Cisco Jiménez / Julian Bonequi / Lauren Clay/ Mario Arroyave / Mars-1 /Meredith Dittmar / Olivia Steele / Paula Duró / Sabino Guisu/ Taeko Nomiya
Lauren Clay, Blue Riser, 2022
Los sueños han intrigado a la humanidad desde el principio de los tiempos, brindando a algunos una segunda vida, una conexión con lo divino u ofreciendo pistas sobre las complejidades más profundas de la mente humana.
Carl Jung dijo que los sueños son productos espontáneos de la psique inconsciente, fuera del control de la voluntad. Son pura naturaleza; nos muestran la verdad natural sin adornos y, por lo tanto, están preparados para devolvernos una actitud acorde con nuestra naturaleza humana básica cuando nuestra conciencia se ha desviado demasiado de sus cimientos y se encuentra en un callejón sin salida.
Para la gente original de Australia, no había diferencia entre la vida diaria y el mundo de los sueños, por lo que la red de "hilos que se cruzan" sirve de inspiración para crear y navegar por el mundo tangible. En la antigua Grecia se creía que algunos sueños podían albergar visiones proféticas, visitas de fantasmas o dioses, e incluso sueños que podían sanar al soñador.
En la cultura Tolteca, el nagualismo era una práctica donde los soñadores, a través de entrenamiento, disciplina y herramientas -como el espejo de obsidiana-, podían acceder al mundo onírico y navegarlo conscientemente, desarrollando una nueva atención desde el ombligo. En el “ensoñamiento” el curandero conectaría ambos mundos y “despertaría” en otro “punto de encaje” sin volver a dormirse, viviendo en plena consciencia a través del cuerpo energético por el resto de sus días.
Los practicantes contemporáneos de Sueños Lúcidos toman prestado el conocimiento de muchas de estas prácticas ancestrales que proporcionan métodos para acceder a través de "llaves" y "puertas" para hacerse conscientes en los sueños. Crear planes de acción para tener experiencias o conectarse con personas y lugares en el Cuántico donde las leyes del tiempo y el espacio pueden ser transformadas con pura intención. Abriendo así las posibilidades para una vida de conciencia expandida durante el día y la noche.
Bird Nights, Yohualtotomeh, integra a un grupo de artistas inspirados en los sueños. Lauren Clay, con años en una práctica Junguiana documentándolos cada noche para crear esculturas que representan puertas al mundo onírico, Julian Bonequi, que desde muy joven accede al mundo de los sueños para crear y aprender a cantar, Sabino Guisu conectado con su ascendencia zapoteca y el espejo de obsidiana como un portal a otros mundos. Meredith Dittmar descargando códigos y diagramas de procesos multidimensionales y Paula Duró representando en sus obras fuerzas arquetípicas en ceremonias sagradas.
Los sueños han demostrado desde el principio de la humanidad ser más que un tiempo de descanso, son una dimensión donde convergen las realidades, un espacio de creación que demuestra que el acceso al espacio cuántico y la psique humana son ilimitados.
Yohualtotomeh es una palabra compuesta que proviene del idioma náhuatl. Yohual significa “noche” y totomeh “pájaros” = “pájaros nocturnos”.
Dreams have intrigued humanity since the beginning of time, providing for some a second life, a connection to the divine, or offering clues to the most profound intricacies of the human mind.
Carl Jung said dreams are spontaneous products of the unconscious psyche, outside the control of the will. They are pure nature; they show us the unvarnished, natural truth and are therefore fitted to give us back an attitude that accords with our basic human nature when our consciousness has strayed too far from its foundations and run into an impasse.
For the original people in Australia, there was no difference between waking and dreamtime, so the web of “intersecting threads” provided inspiration for creating and navigating the tangible world. In ancient Greece, they believed that some dreams could host prophetic visions, visitations by ghosts or gods, and even dreams that could heal the dreamer.
In the Toltec pre-Columbian Mexican culture, Nagualism was a practice where dreamers, through training, discipline, and tools -like the obsidian mirror-, could access the dream world and navigate it consciously by developing a new body or “double.” Then, through that alternative body activation, the individual would connect both worlds and “wake up” in another dream position without falling asleep again, living through the energy body.
Contemporary Lucid Dream practitioners borrow knowledge from many of these ancestral practices providing methods to access through “keys” and “gateways” to become conscious in dreams. Creating action plans to have experiences or to connect to people and places in the quantum where the laws of time and space can be bent by mere intention. Opening the possibilities for a life of expanded awareness through day and night.
Bird Nights, Yohualtotomeh show integrates a group of artists inspired by dreams. Lauren Clay, who has been in a Jungian practice recording her dreams for years and taking inspiration to create sculptures that depict doors to the dream world, Julian Bonequi, who, since a teenager, has been accessing the dreamworld to learn how to sing and create multimedia. Sabino Guisu connected to his Zapotec ancestry and the obsidian mirror as a portal to parallel worlds. Meredith Dittmar codes downloads from multidimensional processes, and Paula Duró depicture of archetypal forces at sacred ceremonies.
Since the beginning of humanity dreams have shown us s to be more than a resting time, they are a dimension where realities converge, a creative playground confirming that the access to the quantum space and the human psyche are unlimited.
Yohualtotomeh is a compound word that comes from the Nahuatl language. Yohual means “night” and totomeh “birds” = “night birds”.
PAST
GA.IA
Retratos y Visiones en Escenarios Multiespecie
Julian Bonequi @o_oo.earth
Opening Friday August 12th, 2022
online catalogue
Is it possible to capture the spirit of language and materials of cognition or spirituality in an era where the technological singularity has already been set in motion?
Planet Earth constantly transforms its composition to ensure its survival, including all living beings, plants, oceans, and minerals, as a single powerful organism. Like her, humans integrate a microcosm of connections and code into their bodies with all life forms. Through that sentient body, we can merge with our source from imagination, perception, biomimetic creativity, and communication with what has always been clear for many ancient cultures: GAIA is alive.
With this vision in mind, GA.IA is born: Generative Art / Artificial Intelligence, as an interior projection and a reflection of the state of the Art according to these times, in which every detail of the objects as well as any element of the natural world are endowed with life, soul, and consciousness of their own. It is through this mediation that today it is possible for us to enunciate an idea and, in seconds or minutes, check if the concept adequately communicates what one imagines, with access to the greatest in the history of humankind.
Who is "artificial" intelligence, and who is the "real" intelligence behind the creation and training of the future and present of humanity? t That historical moment has come when technological growth has become uncontrollable and addictive.
Through models of generating images from text and with the desire to interpret visions and guided readings with the help of the elements and materials of nature and language, Julian Bonequi generated 7,443 images over the last few months living in the mountain. GA.IA is a selection of images from that artist's process, created with an Android phone sending messages to a bot on Discord as a tester for the Beta version of Midjourney.
Beyond his career as a hybrid artist working with 3D and sound for more than two decades, Bonequi's work mixes procedures and techniques that range from ritual to interactive writing, syntax, the code of the primitive, and synthesis through contemplation. In his works, the oneiric interpretation of the narrative materials interweaves gestures from liminality and love of the living, exalting from his visions and portraits. Singularity expands shoulder to shoulder with the climate crisis.
In the next years - even in months -we will see radical changes in how these narratives, gameplays, interactions, and experiences are built - not only- in the digital space but processed in real-time. The interactive, the infinite, and the augmented will give an absolute exponential turn to everything known in Art, culture, society, and life.
Bonequi's work points to the exercise of liminal capacities, leading to the perception beyond the imaginary of what we have not yet been able to decipher as a whole, nor as individuals, and how it is that we have lost contact with the senses to perceive, feel and listen to the other voices of the Planet.
Does Artificial Intelligence Dream About Spirit?
¿Es posible capturar el espíritu de las palabras y los materiales de la cognición o de la espiritualidad misma, en una era donde la singularidad tecnológica ya se ha puesto en marcha de manera irreversible?
El planeta Tierra en su totalidad transforma su composición constantemente para asegurar su supervivencia, incluyendo todo tipo de seres vivos, plantas, océanos y minerales. Como ella, los seres humanos integran en sus cuerpos un microcosmos de conexiones y código con todo tipo de formas de vida. Es a través de ese cuerpo sentiente que se nos permite fusionar a nuestra fuente desde la imaginación, la percepción, la creatividad biomimética y la comunicación, con lo que para muchas culturas milenarias siempre ha sido claro: GAIA está viva.
Con esa visión en mente, nace GA.IA : Generative Art / Inteligencia Artificial, como una proyección interior y una reflexión del estado del Arte acorde a estos tiempos, en que cada detalle de los objetos como cualquier elemento del mundo natural están dotados de vida, alma y consciencia propia, y es por dicha mediación, que hoy nos es posible enunciar una idea, y en segundos o minutos comprobar si la idea comunica adecuadamente lo que uno imagina, con acceso a la biblioteca más grande en la historia de la humanidad.
¿Quién es la inteligencia "artificial" y quién es la inteligencia "real" detrás de la creación y entrenamiento de las Inteligencias del futuro y del presente humano? Ha llegado ese momento histórico en el que el crecimiento tecnológico se ha vuelto incontrolable y adictivo.
Mediante modelos de generación de imágenes a partir de texto, y con el afán de interpretar visiones y lecturas guiadas con la ayuda de los elementos y materiales de la naturaleza y el lenguaje, Julian Bonequi generó 7443 imágenes a lo largo de los últimos meses viviendo en la montaña. GA.IA es una selección de imágenes de ese proceso del artista, creadas con un teléfono Android enviando mensajes a un bot en Discord como testeador de la versión Beta de Midjourney.
Más allá de su trayectoria como artista híbrido trabajando con 3D y sonido desde hace más de dos décadas, la obra de Bonequi entremezcla procedimientos y técnicas que van de la escritura de lo ritual a lo interactivo, como de la sintaxis, el código de lo primitivo y la síntesis por conducto de la contemplación, donde la interpretación onírica de los materiales narrativos, entretejen los gestos provenientes de la liminalidad y del amor a lo vivo, exaltando desde sus visiones y retratos, la Singularidad expandiéndose hombro con hombro con la crisis climática.
En los siguientes años - incluso meses -, veremos cambios radicales en cómo se construyen dichas narrativas, la jugabilidad, las interacciones y las experiencias no únicamente en el plano digital, sino que serán esas experiencias procesadas en tiempo real desde nuestros teléfonos, donde lo interactivo, lo infinito y lo aumentado, darán un giro exponencial absoluto a todo lo conocido en el arte, la cultura, la sociedad humana y en la vida misma.
Finalmente, la obra de Bonequi apunta a la ejercitación de las capacidades liminales, llevando a la percepción más allá del imaginario de lo que no hemos logrado descifrar aún como conjunto, ni como individuos, y en cómo es que hemos perdido contacto con los sentidos para percibir, sentir y escuchar a las otras voces del Planeta.
¿Sueña la Inteligencia Artificial sobre el Espíritu?
PAST
PORTALS
Aaron Glasson | Aleph Geddis | Caledonia Curry SWOON
Mario Arroyave | Remed | Ricky Lee Gordon
Opening Thursday April 28th, 2022
online catalogue
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From Māiā / Illusion
To Śūnyatā / Emptiness
Transition, process and portals
A ceremony
To open and receive a mystical inspiration
To go beyond
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In Vedic texts, Māiā connotes a magic show, an illusion where things appear to be present but are not what they seem. Māiā is the powerful force that creates the cosmic illusion that the phenomenal world is real.
Māiā also connotes that which is constantly changing and thus spiritually unreal and conceals the true character of spiritual reality. Under Māiā's influence, the Atman (the soul) mistakenly identifies with the body. Thus the illusioned soul identifies with the temporary body and everything connected to it. The soul aspires to control and enjoy matter under this sense of false ego (false identity). As a result, he often redoubles his efforts in frustration and, compounding mistake upon mistake, only falls deeper into illusion.
But how do we come out of this illusion?
First, recognize it and then go into openness to receive, but before it's necessary to empty the mind. To go into the sacred void to have clarity. To go into Sūnyata.
Sūnyata or Emptiness comes from the root śūnya, which in the context of buddha-dharma means "empty" or "void," but also means "zero," "nothing," and "hollow." In the Buddha-nature teachings, it refers to empty awareness. The voidness constitutes ultimate reality; sunyata is seen not as a negation of existence but rather as the undifferentiation out of which all apparent entities, distinctions, and dualities arise.
PORTALS is a collective exhibition that presents the work of a group of international artists: Aaron Glasson, Aleph Geddis, Caledonia Curry AKA Swoon, Mario Arrroyave, Remed, and Ricky Lee Gordon. They all explore different mediums and formats to create pieces as portals to enter other realms of existence.
Sūnyata is also the name of the artist's residence, founded and hosted by artist Ricky Lee Gordon. Located on the Blue Beach Island on the southernmost coast of Sri Lanka created as a refuge for mindful, contemplative, and creative practices. Śūnyatā is a retreat back into the creative self, away from the past and the future noise, a reminder, and a reflection.
For this exhibition, Śūnyatā Sri Lanka partnered with MAIA Contemporary to invite all past and future artists in residence to participate in this group show.
En los textos védicos, Māiā connota un espectáculo de magia, una ilusión en la que las cosas parecen estar presentes, pero no son lo que parecen. Māiā es la poderosa fuerza que crea la ilusión cósmica de que el mundo fenoménico es real.
Māiā también connota lo que cambia constantemente y, por lo tanto, es irreal y oculta el verdadero carácter de la realidad espiritual. Bajo la influencia de Māiā, el Atman (el alma) se identifica erróneamente con el cuerpo. Así, el alma ilusionada se identifica con el cuerpo temporal y todo lo relacionado con él. El alma aspira a controlar y disfrutar la materia bajo este sentido de falso ego (falsa identidad). Como resultado, a menudo redobla sus esfuerzos en la frustración y, agravando error tras error, solo cae más profundamente en la ilusión.
¿Cómo salimos de esta ilusión?
Lo primero es reconocerlo y luego entrar en apertura para recibir, pero antes es necesario vaciar la mente. Ir al vacío sagrado para tener claridad. Entrar en Sūnyata.
Sūnyata o Vacuidad proviene de la raíz śūnya, que en el contexto de buddha-dharma significa "vacío", pero también significa "cero", "nada" y "hueco". En las enseñanzas de Buda, se refiere a la conciencia vacía. La Vacuidad constituye la realidad última; sūnyata no se ve como una negación de la existencia, sino más bien como la indiferenciación de la que surgen todas las entidades, distinciones y dualidades aparentes.
PORTALS es una exposición colectiva que presenta el trabajo de un grupo de artistas internacionales: Aaron Glasson, Aleph Geddis, Caledonia Curry AKA Swoon, Mario Arrroyave, Remed y Ricky Lee Gordon. Todos exploran diferentes medios y formatos para crear piezas que sirvan como portales para ingresar a otros reinos de existencia.
Sūnyata es también el nombre de la residencia de artistas, fundada por Ricky Lee Gordon. Ubicada en Blue Beach Island, en la costa más al sur de Sri Lanka, Sūnyata fue creada como un refugio para prácticas conscientes, contemplativas y creativas.
Para esta exposición, Śūnyatā Sri Lanka se une con MAIA Contemporary para invitar a todos los artistas residentes pasados y futuros a participar en esta exposición colectiva.
PAST
ART BASEL HONG KONG
Cisco Jimenez
online catalogue
Discoveries booth 1C39
May 23-28, 2022
For Hong Kong 2022 Cisco Jimenez proposes a new series of paintings and sculptures where nature, technology, and the landscape emerge petrified with symbolic remains of an extinguished civilization proclaiming the future that never came to be.
This fusion of geological-looking formations and retro artifacts is reminiscent of orographic diagrams. In addition, the visual compositions are evocative of progressive rock album covers.
Boomboxes, record players, magnetic tapes, radio recorders, among other devices now obsolete, are patched up, dissected, and recreated with artisanal techniques. These have been drawn, sculpted, and wood-carved. Cisco's work is a hybrid between painting and sculpture. His work pushes the discussion of paintings as objects. These glorified objects turned into totems are Jimenez's ultimate fetish. Until the early 1980s, acquiring the latest.
Sony walkmans or an Atari was only available in the black market or traveling to the USA. Mexican illegal immigrants would send home money, Hi-Fi equipment, and packages of M&Ms. The younger folks of that era would treasure all these products that represented progress and aspiration of an American ideal.
Cisco excavates the cultural debris of a generation that feels lost. From a time when the future looked bright, and the notion of progress, social evolution, and ecological balance seemed possible—the longing of a past era. Cisco's work is an inquiry into the contrasts of Latin American culture and society, from its pre-Hispanic origins to the complicated themes of politics, the economy, popular expressions, and survival.
PUBLIC ART
COCIJO SCULPTURE
Sabino Guisu
@ Paseo de la Reforma, Museo de Antropología
online catalogue
Where have all the gods fled?
This is one of the great questions of modernity. The gods, animals, plants, traditions, hundreds of languages , and human perspectives have also fled.
Don't we feel a kind of orphan of all things in the present? What has been the alternative followed by Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? His work can be considered a continuous reflection between the sacred and the profane: how worldliness and religious sentiment coexist in today's life. Is it possible to reconcile both views? Art allows Sabino to guide his thoughts and show the ambiguity between modernity and the ancient past. This is how he works from the paradox, creating artifacts and objects of strange beauty, which question us if we have really lost the great myths that constitute our civilization.
Referring to the pop culture of Art-Toys, Sabino Guisu illustrates what the symbolic figure of Cocijo would be like in the parallel universe of modernity. The work of the Oaxacan creator has been to search for those pieces buried in consciousness, fragments that beat with a primordial fire. And give them a new meaning.
Sabino Guisu visited the Kimbell Art Museum in Texas a few years ago. Among the collection is a funerary urn of the god Cocijo, the deity of rain and lightning among the ancient Zapotecs. The artist thought about making said figure return to its place, to Oaxaca. Impossible to remove it or ask the museum for its return. So he better decided to rewrite the history of Cocijo and make it return symbolically to our days.
The materials used, conglomerate, metal, resins, acrylics, are all profane elements, materials from the industrial age. The colors, already electric, give a strange veneer of modernity, which seems to collide with the timeless deity. Where did the sacred images go? Where do all the symbols, the rituals, the cracks from which the sacred emanates flow? Is it still possible to talk about mythology? It's possible.
Where have all the gods fled? They are still here, and perhaps you just have to look deep enough to realize that reality is inhabited by enigmatic energy.
Guillermo Santos
¿A dónde se han fugado todos los dioses?
Esta es una de las grandes preguntas de la modernidad. Junto a los dioses se han fugado también los animales, las plantas, tradiciones, cientos de lenguajes y perspectivas humanas.
¿No sentimos una especie de orfandad de todas las cosas en el presente? ¿Cuál ha sido la alternativa que recorre Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? Su trabajo puede considerarse una continua reflexión entre lo sagrado y lo profano: de cómo coexiste la mundaneidad y el sentimiento religioso en la vida actual. ¿Es posible conciliar ambas visiones? El arte le permite a Sabino orientar sus pensamientos y mostrar la ambigüedad entre modernidad y pasado antiquísmo. Así trabaja desde la paradoja, creando artefactos y objetos de extraña belleza, que nos cuestionan si realmente hemos perdido los grandes mitos que constituyen nuestra civilización.
Haciendo referencia a la cultura pop de los Art-Toys, Sabino Guisu ilustra cómo sería la figura simbólica de Cocijo en el universo paralelo de la modernidad. El trabajo del creador oaxaqueño ha sido el de buscar aquellas piezas enterradas en la conciencia, fragmentos que laten con un fuego primordial. Y darles un nuevo significado.
Sabino Guisu visitó hace unos años el Kimbelt Art Museum, en Texas. Allí, entre el acervo habita una urna funeraria del dios Cocijo, deidad de la lluvia y del rayo entre los antiguos zapotecas. El artista pensó en cómo hacer volver dicha figura a su lugar, a Oaxaca. Imposible sustraerlo o pedir al museo su devolución. Así que mejor decidió reescribir la historia de Cocijo y lo hizo volver de forma smbólica a nuestros días. Los materiales utilizados, conglomerado, metal, resinas, acrílicos, son todos elementos profanos, materiales de la era industrial. Los colores, ya de por sí eléctricos, dan un extraño barniz de modernidad, que parece chocar con la deidad atemporal. ¿Hacía donde van las imágenes sagradas? ¿Dónde desembocan todos los símbolos, los rituales, las grietas de las que emana lo sagrado? ¿Es posible hablar aún de la mitología? Es posible.
¿A dónde se han fugado todos los dioses? Siguen aquí, y quizá sólo haya que ver con suficiente hondura para darse cuenta de que la realidad está habitada por una energía enigmática.
Guillermo Santos
PAST
SABINO GUISU
Cocijo
solo show
online catalogue
February 9th - April 15th 2022
Colima 159, Roma Norte
Mexico City
