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EL LIBRO DE LOS CIELOS
Paula Duró
From November 25th 2022 till January 8th, 2023

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La obra de Paula Duró amalgama lo mismo elementos psicodélicos que folclóricos, creando alegorías inspiradas por el mundo onírico, la magia, las prácticas chamánicas y la relación del ser humano con la Naturaleza.

 

Su cosmovisión única mezcla elementos del Antiguo Egipto con tradiciones indígenas de Sudamérica, guiando a los observadores en un viaje iniciático a través de la sabiduría atemporal de las tradiciones originarias. Sus escenas son representaciones de espacios etéricos en los que fuerzas multidimensionales interactúan con seres arquetípicos en acciones que expresan el movimiento de las energías universales.

 

Describiéndose a sí misma como una pintora de luz y sombra, el trabajo de la artista argentina explora el plano espiritual, las fuerzas de luz y oscuridad que lo habitan, y cómo los seres humanos podemos integrar tales fuerzas y vivir en armonía con ellas. Su arte nos anima a redescubrir el sentido sagrado de unidad que tenemos con el universo y reconocer nuestro papel y conexión con él.

 

A través de su visión artística, Duró nos invita a dar forma al mundo con nuestros sueños, participando activamente en la creación, para dejar de estar condenados a vivir en un mundo imaginado por otros. Al unir el mundo físico con el invisible, el arte de Paula nos recuerda la belleza y la magia del planeta que habitamos y del que podemos ser parte.

 

El Libro de los Cielos es su más reciente serie de pinturas inspiradas por un diálogo con los escribas celestiales, los guardianes de la fuente de la que emergen las mil formas. Para Paula esta serie es una ofrenda al espíritu, un puente que le permite dialogar con el colectivo dejando de lado la mente a través del corazón.

Paula Duró's work amalgamates psychedelic and folkloric elements, creating allegories inspired by the dream world, magic, shamanic practices, and the relationship between human beings and Nature.

 

Her unique worldview mixes elements of Ancient Egypt with indigenous traditions from South America, guiding viewers on an initiatory journey through the timeless wisdom of the original traditions. Her scenes represent etheric spaces in which multidimensional forces interact with archetypal beings in actions that express the movement of universal energies.

 

Describing herself as a painter of light and shadow, Duró's work explores the spiritual plane, the forces of light and darkness that inhabit it, and how humans can integrate such forces and live in harmony with them. Her art encourages us to rediscover our sacred sense of oneness with the universe and acknowledge our role and connection to it.

 

Through her artistic vision, she invites us to shape the world with our dreams, actively participate in creation, and stop being condemned to live in a world that others imagine. By bridging the physical world with the invisible, Paula's art reminds us of the beauty and magic of the planet we inhabit and can be a part of.

 

El Libro de los Sueños (The Book of Heavens) is her most recent series of paintings inspired by a dialogue with the heavenly scribes, the guardians of the source from which a thousand forms emerge. For Paula, this series is an offering to the spirit. A bridge that allows her to dialogue with the collective, leaving aside the mind through the heart.

PAST

NIGHT BIRDS Yohualtotomeh
group show
From October 7th till November 20th, 2022

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AEC Interesni Kazki / Alexis Mata / Cisco Jiménez / Julian Bonequi / Lauren Clay/ Mario Arroyave / Mars-1 /Meredith Dittmar / Olivia Steele / Paula Duró / Sabino Guisu/ Taeko Nomiya

 

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Lauren Clay, Blue Riser, 2022

Los sueños han intrigado a la humanidad desde el principio de los tiempos, brindando a algunos una segunda vida, una conexión con lo divino u ofreciendo pistas sobre las complejidades más profundas de la mente humana.

 

Carl Jung dijo que los sueños son productos espontáneos de la psique inconsciente, fuera del control de la voluntad. Son pura naturaleza; nos muestran la verdad natural sin adornos y, por lo tanto, están preparados para devolvernos una actitud acorde con nuestra naturaleza humana básica cuando nuestra conciencia se ha desviado demasiado de sus cimientos y se encuentra en un callejón sin salida.

 

Para la gente original de Australia, no había diferencia entre la vida diaria y el mundo de los sueños, por lo que la red de "hilos que se cruzan" sirve de inspiración para crear y navegar por el mundo tangible. En la antigua Grecia se creía que algunos sueños podían albergar visiones proféticas, visitas de fantasmas o dioses, e incluso sueños que podían sanar al soñador.

 

En la cultura Tolteca, el nagualismo era una práctica donde los soñadores, a través de entrenamiento, disciplina y herramientas -como el espejo de obsidiana-, podían acceder al mundo onírico y navegarlo conscientemente, desarrollando una nueva atención desde el ombligo. En el “ensoñamiento” el curandero conectaría ambos mundos y “despertaría” en otro “punto de encaje” sin volver a dormirse, viviendo en plena consciencia a través del cuerpo energético por el resto de sus días.

 

Los practicantes contemporáneos de Sueños Lúcidos toman prestado el conocimiento de muchas de estas prácticas ancestrales que proporcionan métodos para acceder a través de "llaves" y "puertas" para hacerse conscientes en los sueños. Crear planes de acción para tener experiencias o conectarse con personas y lugares en el Cuántico donde las leyes del tiempo y el espacio pueden ser transformadas con pura intención. Abriendo así las posibilidades para una vida de conciencia expandida durante el día y la noche.

 

Bird Nights, Yohualtotomeh, integra a un grupo de artistas inspirados en los sueños. Lauren Clay, con años en una práctica Junguiana documentándolos cada noche para crear esculturas que representan puertas al mundo onírico, Julian Bonequi, que desde muy joven accede al mundo de los sueños para crear y aprender a cantar, Sabino Guisu conectado con su ascendencia zapoteca y el espejo de obsidiana como un portal a otros mundos. Meredith Dittmar descargando códigos y diagramas de procesos multidimensionales y Paula Duró representando en sus obras fuerzas arquetípicas en ceremonias sagradas.

Los sueños han demostrado desde el principio de la humanidad ser más que un tiempo de descanso, son una dimensión donde convergen las realidades, un espacio de creación que demuestra que el acceso al espacio cuántico y la psique humana son ilimitados.

 

Yohualtotomeh es una palabra compuesta que proviene del idioma náhuatl. Yohual significa “noche” y totomeh “pájaros” = “pájaros nocturnos”.

Dreams have intrigued humanity since the beginning of time, providing for some a second life, a connection to the divine, or offering clues to the most profound intricacies of the human mind.

 

Carl Jung said dreams are spontaneous products of the unconscious psyche, outside the control of the will. They are pure nature; they show us the unvarnished, natural truth and are therefore fitted to give us back an attitude that accords with our basic human nature when our consciousness has strayed too far from its foundations and run into an impasse.

 

For the original people in Australia, there was no difference between waking and dreamtime, so the web of “intersecting threads” provided inspiration for creating and navigating the tangible world. In ancient Greece, they believed that some dreams could host prophetic visions, visitations by ghosts or gods, and even dreams that could heal the dreamer.

 

In the Toltec pre-Columbian Mexican culture, Nagualism was a practice where dreamers, through training, discipline, and tools -like the obsidian mirror-, could access the dream world and navigate it consciously by developing a new body or “double.” Then, through that alternative body activation, the individual would connect both worlds and “wake up” in another dream position without falling asleep again, living through the energy body.

 

Contemporary Lucid Dream practitioners borrow knowledge from many of these ancestral practices providing methods to access through “keys” and “gateways” to become conscious in dreams. Creating action plans to have experiences or to connect to people and places in the quantum where the laws of time and space can be bent by mere intention. Opening the possibilities for a life of expanded awareness through day and night.

 

Bird Nights, Yohualtotomeh show integrates a group of artists inspired by dreams. Lauren Clay, who has been in a Jungian practice recording her dreams for years and taking inspiration to create sculptures that depict doors to the dream world, Julian Bonequi, who, since a teenager, has been accessing the dreamworld to learn how to sing and create multimedia. Sabino Guisu connected to his Zapotec ancestry and the obsidian mirror as a portal to parallel worlds. Meredith Dittmar codes downloads from multidimensional processes, and Paula Duró depicture of archetypal forces at sacred ceremonies.

Since the beginning of humanity dreams have shown us s to be more than a resting time, they are a dimension where realities converge, a creative playground confirming that the access to the quantum space and the human psyche are unlimited.

Yohualtotomeh is a compound word that comes from the Nahuatl language. Yohual means “night” and totomeh “birds” = “night birds”.

PAST

GA.IA
Retratos y Visiones en Escenarios Multiespecie 
Julian Bonequi @o_oo.earth
Opening Friday August 12th, 2022

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Is it possible to capture the spirit of language and materials of cognition or spirituality in an era where the technological singularity has already been set in motion?

 

Planet Earth constantly transforms its composition to ensure its survival, including all living beings, plants, oceans, and minerals, as a single powerful organism. Like her, humans integrate a microcosm of connections and code into their bodies with all life forms. Through that sentient body, we can merge with our source from imagination, perception, biomimetic creativity, and communication with what has always been clear for many ancient cultures: GAIA is alive.

 

With this vision in mind, GA.IA is born: Generative Art / Artificial Intelligence, as an interior projection and a reflection of the state of the Art according to these times, in which every detail of the objects as well as any element of the natural world are endowed with life, soul, and consciousness of their own. It is through this mediation that today it is possible for us to enunciate an idea and, in seconds or minutes, check if the concept adequately communicates what one imagines, with access to the greatest in the history of humankind.

 

Who is "artificial" intelligence, and who is the "real" intelligence behind the creation and training of the future and present of humanity? t That historical moment has come when technological growth has become uncontrollable and addictive.

 

Through models of generating images from text and with the desire to interpret visions and guided readings with the help of the elements and materials of nature and language, Julian Bonequi generated 7,443 images over the last few months living in the mountain. GA.IA is a selection of images from that artist's process, created with an Android phone sending messages to a bot on Discord as a tester for the Beta version of Midjourney.

 

Beyond his career as a hybrid artist working with 3D and sound for more than two decades, Bonequi's work mixes procedures and techniques that range from ritual to interactive writing, syntax, the code of the primitive, and synthesis through contemplation. In his works, the oneiric interpretation of the narrative materials interweaves gestures from liminality and love of the living, exalting from his visions and portraits. Singularity expands shoulder to shoulder with the climate crisis.

 

In the next years - even in months -we will see radical changes in how these narratives, gameplays, interactions, and experiences are built - not only- in the digital space but processed in real-time. The interactive, the infinite, and the augmented will give an absolute exponential turn to everything known in Art, culture, society, and life.

 

Bonequi's work points to the exercise of liminal capacities, leading to the perception beyond the imaginary of what we have not yet been able to decipher as a whole, nor as individuals, and how it is that we have lost contact with the senses to perceive, feel and listen to the other voices of the Planet.

 

Does Artificial Intelligence Dream About Spirit?

¿Es posible capturar el espíritu de las palabras y los materiales de la cognición o de la espiritualidad misma, en una era donde la singularidad tecnológica ya se ha puesto en marcha de manera irreversible?

 

El planeta Tierra en su totalidad transforma su composición constantemente para asegurar su supervivencia, incluyendo todo tipo de seres vivos, plantas, océanos y minerales. Como ella, los seres humanos integran en sus cuerpos un microcosmos de conexiones y código con todo tipo de formas de vida. Es a través de ese cuerpo sentiente que se nos permite fusionar a nuestra fuente desde la imaginación, la percepción, la creatividad biomimética y la comunicación, con lo que para muchas culturas milenarias siempre ha sido claro: GAIA está viva.

 

Con esa visión en mente, nace GA.IA : Generative Art / Inteligencia Artificial, como una proyección interior y una reflexión del estado del Arte acorde a estos tiempos, en que cada detalle de los objetos como cualquier elemento del mundo natural están dotados de vida, alma y consciencia propia, y es por dicha mediación, que hoy nos es posible enunciar una idea, y en segundos o minutos comprobar si la idea comunica adecuadamente lo que uno imagina, con acceso a la biblioteca más grande en la historia de la humanidad.

 

¿Quién es la inteligencia "artificial" y quién es la inteligencia "real" detrás de la creación y entrenamiento de las Inteligencias del futuro y del presente humano? Ha llegado ese momento histórico en el que el crecimiento tecnológico se ha vuelto incontrolable y adictivo.

 

Mediante modelos de generación de imágenes a partir de texto, y con el afán de interpretar visiones y lecturas guiadas con la ayuda de los elementos y materiales de la naturaleza y el lenguaje, Julian Bonequi generó 7443 imágenes a lo largo de los últimos meses viviendo en la montaña. GA.IA es una selección de imágenes de ese proceso del artista, creadas con un teléfono Android enviando mensajes a un bot en Discord como testeador de la versión Beta de Midjourney.

 

Más allá de su trayectoria como artista híbrido trabajando con 3D y sonido desde hace más de dos décadas, la obra de Bonequi entremezcla procedimientos y técnicas que van de la escritura de lo ritual a lo interactivo, como de la sintaxis, el código de lo primitivo y la síntesis por conducto de la contemplación, donde la interpretación onírica de los materiales narrativos, entretejen los gestos provenientes de la liminalidad y del amor a lo vivo, exaltando desde sus visiones y retratos, la Singularidad expandiéndose hombro con hombro con la crisis climática.

 

En los siguientes años - incluso meses -, veremos cambios radicales en cómo se construyen dichas narrativas, la jugabilidad, las interacciones y las experiencias no únicamente en el plano digital, sino que serán esas experiencias procesadas en tiempo real desde nuestros teléfonos, donde lo interactivo, lo infinito y lo aumentado, darán un giro exponencial absoluto a todo lo conocido en el arte, la cultura, la sociedad humana y en la vida misma.

 

Finalmente, la obra de Bonequi apunta a la ejercitación de las capacidades liminales, llevando a la percepción más allá del imaginario de lo que no hemos logrado descifrar aún como conjunto, ni como individuos, y en cómo es que hemos perdido contacto con los sentidos para percibir, sentir y escuchar a las otras voces del Planeta.

 

¿Sueña la Inteligencia Artificial sobre el Espíritu?

PAST

PORTALS
Aaron Glasson | Aleph Geddis | Caledonia Curry SWOON
Mario Arroyave | Remed | Ricky Lee Gordon

Opening Thursday April 28th, 2022

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From Māiā / Illusion

To Śūnyatā / Emptiness

Transition, process and portals

A ceremony

To open and receive a mystical inspiration

To go beyond

 In Vedic texts, Māiā connotes a magic show, an illusion where things appear to be present but are not what they seem. Māiā is the powerful force that creates the cosmic illusion that the phenomenal world is real.

 

Māiā also connotes that which is constantly changing and thus spiritually unreal and conceals the true character of spiritual reality. Under Māiā's influence, the Atman (the soul) mistakenly identifies with the body. Thus the illusioned soul identifies with the temporary body and everything connected to it. The soul aspires to control and enjoy matter under this sense of false ego (false identity). As a result, he often redoubles his efforts in frustration and, compounding mistake upon mistake, only falls deeper into illusion.

 

But how do we come out of this illusion?

 

First, recognize it and then go into openness to receive, but before it's necessary to empty the mind. To go into the sacred void to have clarity. To go into Sūnyata. 

 

Sūnyata or Emptiness comes from the root śūnya, which in the context of buddha-dharma means "empty" or "void," but also means "zero," "nothing," and "hollow." In the Buddha-nature teachings, it refers to empty awareness. The voidness constitutes ultimate reality; sunyata is seen not as a negation of existence but rather as the undifferentiation out of which all apparent entities, distinctions, and dualities arise. 

 

PORTALS is a collective exhibition that presents the work of a group of international artists: Aaron Glasson, Aleph Geddis, Caledonia Curry AKA Swoon, Mario Arrroyave, Remed, and Ricky Lee Gordon. They all explore different mediums and formats to create pieces as portals to enter other realms of existence. 

 

Sūnyata is also the name of the artist's residence, founded and hosted by artist Ricky Lee Gordon. Located on the Blue Beach Island on the southernmost coast of Sri Lanka created as a refuge for mindful, contemplative, and creative practices. Śūnyatā is a retreat back into the creative self, away from the past and the future noise, a reminder, and a reflection.

 

For this exhibition, Śūnyatā Sri Lanka partnered with MAIA Contemporary to invite all past and future artists in residence to participate in this group show. 

En los textos védicos, Māiā connota un espectáculo de magia, una ilusión en la que las cosas parecen estar presentes, pero no son lo que parecen. Māiā es la poderosa fuerza que crea la ilusión cósmica de que el mundo fenoménico es real.

 

Māiā también connota lo que cambia constantemente y, por lo tanto, es irreal y oculta el verdadero carácter de la realidad espiritual. Bajo la influencia de Māiā, el Atman (el alma) se identifica erróneamente con el cuerpo. Así, el alma ilusionada se identifica con el cuerpo temporal y todo lo relacionado con él. El alma aspira a controlar y disfrutar la materia bajo este sentido de falso ego (falsa identidad). Como resultado, a menudo redobla sus esfuerzos en la frustración y, agravando error tras error, solo cae más profundamente en la ilusión.

 

¿Cómo salimos de esta ilusión?

 

Lo primero es reconocerlo y luego entrar en apertura para recibir, pero antes es necesario vaciar la mente. Ir al vacío sagrado para tener claridad. Entrar en Sūnyata.

 

Sūnyata o Vacuidad proviene de la raíz śūnya, que en el contexto de buddha-dharma significa "vacío", pero también significa "cero", "nada" y "hueco". En las enseñanzas de Buda, se refiere a la conciencia vacía. La Vacuidad constituye la realidad última; sūnyata no se ve como una negación de la existencia, sino más bien como la indiferenciación de la que surgen todas las entidades, distinciones y dualidades aparentes.

 

PORTALS es una exposición colectiva que presenta el trabajo de un grupo de artistas internacionales: Aaron Glasson, Aleph Geddis, Caledonia Curry AKA Swoon, Mario Arrroyave, Remed y Ricky Lee Gordon. Todos exploran diferentes medios y formatos para crear piezas que sirvan como portales para ingresar a otros reinos de existencia.

 

Sūnyata es también el nombre de la residencia de artistas, fundada por Ricky Lee Gordon. Ubicada en Blue Beach Island, en la costa más al sur de Sri Lanka, Sūnyata fue creada como un refugio para prácticas conscientes, contemplativas y creativas.

 

Para esta exposición, Śūnyatā Sri Lanka se une con MAIA Contemporary para invitar a todos los artistas residentes pasados ​​y futuros a participar en esta exposición colectiva.

PAST

ART BASEL HONG KONG
Cisco Jimenez 

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Discoveries booth 1C39 
May 23-28, 2022

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For Hong Kong 2022 Cisco Jimenez proposes a new series of paintings and sculptures where nature, technology, and the landscape emerge petrified with symbolic remains of an extinguished civilization proclaiming the future that never came to be.

This fusion of geological-looking formations and retro artifacts is reminiscent of orographic diagrams. In addition, the visual compositions are evocative of progressive rock album covers.

Boomboxes, record players, magnetic tapes, radio recorders, among other devices now obsolete, are patched up, dissected, and recreated with artisanal techniques. These have been drawn, sculpted, and wood-carved. Cisco's work is a hybrid between painting and sculpture. His work pushes the discussion of paintings as objects. These glorified objects turned into totems are Jimenez's ultimate fetish. Until the early 1980s, acquiring the latest.

Sony walkmans or an Atari was only available in the black market or traveling to the USA. Mexican illegal immigrants would send home money, Hi-Fi equipment, and packages of M&Ms. The younger folks of that era would treasure all these products that represented progress and aspiration of an American ideal.

Cisco excavates the cultural debris of a generation that feels lost. From a time when the future looked bright, and the notion of progress, social evolution, and ecological balance seemed possible—the longing of a past era. Cisco's work is an inquiry into the contrasts of Latin American culture and society, from its pre-Hispanic origins to the complicated themes of politics, the economy, popular expressions, and survival.

PUBLIC ART

COCIJO SCULPTURE
Sabino Guisu

@ Paseo de la Reforma, Museo de Antropología

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Where have all the gods fled?

This is one of the great questions of modernity. The gods, animals, plants, traditions, hundreds of languages , and human perspectives have also fled.

Don't we feel a kind of orphan of all things in the present? What has been the alternative followed by Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? His work can be considered a continuous reflection between the sacred and the profane: how worldliness and religious sentiment coexist in today's life. Is it possible to reconcile both views? Art allows Sabino to guide his thoughts and show the ambiguity between modernity and the ancient past. This is how he works from the paradox, creating artifacts and objects of strange beauty, which question us if we have really lost the great myths that constitute our civilization.

Referring to the pop culture of Art-Toys, Sabino Guisu illustrates what the symbolic figure of Cocijo would be like in the parallel universe of modernity. The work of the Oaxacan creator has been to search for those pieces buried in consciousness, fragments that beat with a primordial fire. And give them a new meaning.

Sabino Guisu visited the Kimbell Art Museum in Texas a few years ago. Among the collection is a funerary urn of the god Cocijo, the deity of rain and lightning among the ancient Zapotecs. The artist thought about making said figure return to its place, to Oaxaca. Impossible to remove it or ask the museum for its return. So he better decided to rewrite the history of Cocijo and make it return symbolically to our days.

 

The materials used, conglomerate, metal, resins, acrylics, are all profane elements, materials from the industrial age. The colors, already electric, give a strange veneer of modernity, which seems to collide with the timeless deity. Where did the sacred images go? Where do all the symbols, the rituals, the cracks from which the sacred emanates flow? Is it still possible to talk about mythology? It's possible.

Where have all the gods fled? They are still here, and perhaps you just have to look deep enough to realize that reality is inhabited by enigmatic energy.

Guillermo Santos

¿A dónde se han fugado todos los dioses?

Esta es una de las grandes preguntas de la modernidad. Junto a los dioses se han fugado también los animales, las plantas, tradiciones, cientos de lenguajes y perspectivas humanas.

¿No sentimos una especie de orfandad de todas las cosas en el presente? ¿Cuál ha sido la alternativa que recorre Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? Su trabajo puede considerarse una continua reflexión entre lo sagrado y lo profano: de cómo coexiste la mundaneidad y el sentimiento religioso en la vida actual.  ¿Es posible conciliar ambas visiones? El arte le permite a Sabino orientar sus pensamientos y mostrar la ambigüedad entre modernidad y pasado antiquísmo. Así trabaja desde la paradoja, creando artefactos y objetos de extraña belleza, que nos cuestionan si realmente hemos perdido los grandes mitos que constituyen nuestra civilización.

Haciendo referencia a la cultura pop de los Art-Toys, Sabino Guisu ilustra cómo sería la figura simbólica de Cocijo en el universo paralelo de la modernidad. El trabajo del creador oaxaqueño ha sido el de buscar aquellas piezas enterradas en la conciencia, fragmentos que laten con un fuego primordial. Y darles un nuevo significado.

Sabino Guisu visitó hace unos años el Kimbelt Art Museum, en Texas. Allí, entre el acervo habita una urna funeraria del dios Cocijo, deidad de la lluvia y del rayo entre los antiguos zapotecas. El artista pensó en cómo hacer volver dicha figura a su lugar, a Oaxaca. Imposible sustraerlo o pedir al museo su devolución. Así que mejor decidió reescribir la historia de Cocijo y lo hizo volver de forma smbólica a nuestros días. Los materiales utilizados, conglomerado, metal, resinas, acrílicos, son todos elementos profanos, materiales de la era industrial. Los colores, ya de por sí eléctricos, dan un extraño barniz de modernidad, que parece chocar con la deidad atemporal. ¿Hacía donde van las imágenes sagradas? ¿Dónde desembocan todos los símbolos, los rituales, las grietas de las que emana lo sagrado? ¿Es posible hablar aún de la mitología? Es posible.

¿A dónde se han fugado todos los dioses? Siguen aquí, y quizá sólo haya que ver con suficiente hondura para darse cuenta de que la realidad está habitada por una energía enigmática.

Guillermo Santos

PAST

SABINO GUISU
Cocijo
solo show 

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February 9th - April 15th 2022

Colima 159, Roma Norte

Mexico City

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Where have all the gods fled?

This is one of the great questions of modernity. The gods, animals, plants, traditions, hundreds of languages , and human perspectives have also fled.

Don't we feel a kind of orphan of all things in the present? What has been the alternative followed by Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986)? His work can be considered a continuous reflection between the sacred and the profane: how worldliness and religious sentiment coexist in today's life. Is it possible to reconcile both views? Art allows Sabino to guide his thoughts and show the ambiguity between modernity and the ancient past. This is how he works from the paradox, creating artifacts and objects of strange beauty, which question us if we have really lost the great myths that constitute our civilization.

Referring to the pop culture of Art-Toys, Sabino Guisu illustrates what the symbolic figure of Cocijo would be like in the parallel universe of modernity. The work of the Oaxacan creator has been to search for those pieces buried in consciousness, fragments that beat with a primordial fire. And give them a new meaning.

Sabino Guisu visited the Kimbell Art Museum in Texas a few years ago. Among the collection is a funerary urn of the god Cocijo, the deity of rain and lightning among the ancient Zapotecs. The artist thought about making said figure return to its place, to Oaxaca. Impossible to remove it or ask the museum for its return. So he better decided to rewrite the history of Cocijo and make it return symbolically to our days.

 

The materials used, conglomerate, metal, resins, acrylics, are all profane elements, materials from the industrial age. The colors, already electric, give a strange veneer of modernity, which seems to collide with the timeless deity. Where did the sacred images go? Where do all the symbols, the rituals, the cracks from which the sacred emanates flow? Is it still possible to talk about mythology? It's possible.

Where have all the gods fled? They are still here, and perhaps you just have to look deep enough to realize that reality is inhabited by enigmatic energy.

Guillermo Santos

AT MIAMI BEACH

COCIJO, God of Thunder
Sabino Guisu
till December 3th, 2022

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